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In recent months, Simone FM — a historic broadcaster in the north of the Netherlands — has expanded its coverage, strengthened its market position, and embraced an editorial choice that feels almost revolutionary today: three hours a day of music played exclusively from vinyl, hosted live every morning by the station’s owner, Bert Vos.

I spoke with him to understand how this idea was born, what it means to make “analog radio” in 2026, and why vinyl keeps growing while everything else becomes digital.

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Bert, let’s start from the beginning. Why look for such a radical “unique selling point” for a radio station?

Bert Vos: “As a radio station, we were looking for something that truly set us apart, without becoming too niche. We wanted a feature that allowed us to stay broad and accessible, yet unmistakably unique.”
When vinyl suddenly returned to the spotlight among real music lovers — he tells me — the spark came almost by accident. “We installed turntables in the studio just to do something with them occasionally. Then a one‑hour vinyl slot became a hit… and from there it evolved into a daily three‑hour show.”

Why vinyl? What does it offer that digital can’t?

Bert: “Someone who has nothing with vinyl will still hear their classics. But vinyl lovers become more enthusiastic — and that makes them listen more.”
But it’s not just nostalgia. It’s an experience.
“The crackle and the noise are like music to the ears. And on the radio, classics gain an extra emotional dimension.”

Vinyl has exploded in popularity in recent years. How do you explain it?

Bert: “Vinyl’s popularity has grown enormously over the past five or six years. Producers can barely keep up with demand, every self‑respecting artist releases on vinyl, record stores are flourishing again.”
And then there’s the generational shift he sees at home:
“My kids, 14 and 17, love putting a record on the turntable. They study the cover, read the booklet while the music plays. It’s a complete experience.”

There’s an anecdote you often share — the one about your youngest son.

Bert: He smiles. “I asked him why he liked vinyl so much. He said: ‘Dad, then it’s yours. It’s your record. On Spotify you borrow the music and you have to pay every month. If you stop paying, you can’t listen anymore. This is yours.’”
A 14‑year‑old speaking like a 50‑year‑old collector.

Let’s clarify something: does vinyl sound better?

Bert: “No, definitely not.”
Then comes the perfect metaphor:
“I compare it to the old incandescent light bulb versus LED. LED is brighter, but the old bulb gives a warmer light. Vinyl is like that: not technically better, but warmer, more human.”

Playing vinyl live also changes the way you do radio, doesn’t it?

Bert: “Completely. You have to go back to traditional radio. There are no intro times on a screen, you need to know how a record ends, you need to build your talk and transitions with your head, not with software.”
And this has a wonderful side effect:
“Music becomes the center of the program again. In many radio shows it has become an afterthought. With vinyl, it can’t be.”

After seven or eight years of doing this, I have to ask: is vinyl just a hype?

Bert: “No, it isn’t. I see it every day. I see it in the numbers. I see it in people. The turnover of new vinyl is huge — and that’s without even mentioning the second‑hand market. It’s a stable phenomenon, not a passing trend.”

So why does it work so well on the radio?

Bert: “Because it’s authentic. Because it’s physical. Because it’s imperfect. And because, in a world where everything is instant and digital, vinyl forces you to be with the music. To touch it, look at it, respect it.”
He closes with a sentence that feels like a manifesto:
“Vinyl isn’t a hype. It’s a way of listening.”

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IT

Negli ultimi mesi Simone FM — storica emittente del nord dei Paesi Bassi — ha ampliato la propria copertura, consolidato il mercato e, soprattutto, ha scelto una strada editoriale che oggi sembra quasi rivoluzionaria: tre ore al giorno di musica suonata esclusivamente da vinile, condotte in diretta dal proprietario stesso, Bert Vos.

L’ho intervistato per capire come nasce questa scelta, cosa significa fare radio “analogica” nel 2026 e perché il vinile continua a crescere mentre tutto il resto diventa digitale.

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Bert, partiamo dall’inizio. Perché cercare un “unique selling point” così radicale per una radio?

Bert Vos: «Come radio cercavamo qualcosa che ci distinguesse davvero, senza diventare troppo di nicchia. Volevamo un elemento che ci permettesse di essere ampi, popolari, ma allo stesso tempo unici».
Quando il vinile è tornato al centro dell’attenzione dei veri appassionati — mi racconta — la scintilla è scattata quasi per caso. «Abbiamo installato dei giradischi in studio per fare qualche item ogni tanto. Poi un’ora di vinile è diventata un successo… e da lì è nato un programma quotidiano di tre ore».

Perché proprio il vinile? Cosa offre che il digitale non può dare?

Bert: «Chi non ha nulla con il vinile ascolta comunque i suoi classici. Ma chi ama il vinile diventa più entusiasta, e quindi ascolta di più».
Il punto, però, non è solo l’effetto nostalgia. È un’esperienza.
«Il crepitio e il rumore sono come musica per le orecchie. E in radio i classici suonano con una dimensione emotiva diversa».

Negli ultimi anni il vinile è esploso. Come lo spieghi?

Bert: «La popolarità del vinile è aumentata enormemente negli ultimi 5-6 anni. I produttori fanno fatica a stare dietro alla domanda, ogni artista pubblica anche su vinile, i negozi sono tornati a vivere».
E poi c’è un dato generazionale che lui vede ogni giorno in casa:
«I miei figli, 14 e 17 anni, adorano mettere un disco sul piatto. Studiano la copertina, leggono tutto il booklet mentre la musica gira. È un’esperienza completa».

C’è un aneddoto che racconta spesso: quello di tuo figlio più piccolo.

Bert: Sorride. «Gli ho chiesto perché gli piacesse così tanto il vinile. Mi ha risposto: “Papà, allora è tuo. È il tuo disco. Su Spotify prendi in prestito la musica e devi pagare ogni mese. Se smetti, non puoi più ascoltare. Questo invece è tuo.”».
Un ragazzino di 14 anni che parla come un collezionista di 50.

Facciamo chiarezza: il vinile suona meglio?

Bert: «No, decisamente no».
E qui arriva la metafora perfetta:
«Lo paragono alla vecchia lampadina a incandescenza rispetto al LED. Il LED è più brillante, ma la lampadina antica dà una luce più calda. Il vinile è così: non è tecnicamente migliore, ma è più caldo, più umano».

Suonare vinile in diretta cambia anche il modo di fare radio?

Bert: «Completamente. Devi tornare a fare radio tradizionale. Non hai gli intro sullo schermo, devi sapere come finisce un disco, devi costruire il talk e il passaggio al brano successivo con la testa, non con il software».
E questo, dice, ha un effetto collaterale meraviglioso:
«La musica torna al centro del programma. In molte radio è diventata un accessorio. Con il vinile non può esserlo».

Dopo 7-8 anni di programma, ti chiedo la domanda che tutti fanno: il vinile è una moda?

Bert: «No, non lo è. Lo vedo ogni giorno. Lo vedo nei numeri. Lo vedo nelle persone. Il fatturato del nuovo vinile è enorme, e non parliamo nemmeno del mercato dell’usato. È un fenomeno stabile, non passeggero».

E allora perché funziona così bene in radio?

Bert: «Perché è autentico. Perché è fisico. Perché è imperfetto. E perché, in un mondo dove tutto è immediato e digitale, il vinile ti obbliga a stare con la musica. A toccarla, a guardarla, a rispettarla».
E conclude con una frase che sembra un manifesto:
«Il vinile non è un hype. È un modo di ascoltare».

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NL

Simone FM — een gevestigde zender in het noorden van Nederland — heeft de afgelopen maanden zijn dekking uitgebreid, zijn marktpositie versterkt en een bijna revolutionaire redactionele keuze gemaakt: drie uur per dag uitsluitend muziek vanaf vinyl, elke ochtend live gepresenteerd door de eigenaar zelf, Bert Vos.

Ik sprak met hem om te begrijpen hoe dit idee is ontstaan, wat het betekent om in 2026 “analoge radio” te maken en waarom vinyl blijft groeien terwijl alles om ons heen digitaliseert.

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Bert, laten we bij het begin beginnen. Waarom zo’n radicale “unique selling point” voor een radiozender?

Bert Vos: “Als radio zochten we iets dat ons écht onderscheidde, zonder te niche te worden. We wilden een element dat ons breed en toegankelijk hield, maar toch uniek.”
Toen vinyl plots weer in de belangstelling kwam bij echte muziekliefhebbers — vertelt hij — gebeurde de rest bijna vanzelf. “We plaatsten draaitafels in de studio om er af en toe iets mee te doen. Maar een uurtje vinyl werd een hit… en zo groeide het uit tot een dagelijks programma van drie uur.”

Waarom vinyl? Wat biedt het dat digitaal niet kan?

Bert: “Iemand die niets met vinyl heeft, hoort toch zijn klassiekers. Maar vinylfans worden enthousiaster — en daardoor luisteren ze meer.”
Maar het gaat niet alleen om nostalgie. Het is een ervaring.
“Het gekraak en de ruis zijn als muziek in de oren. En op de radio krijgen klassiekers een extra emotionele dimensie.”

Vinyl is de afgelopen jaren enorm populair geworden. Hoe verklaar je dat?

Bert: “De populariteit van vinyl is de afgelopen vijf à zes jaar enorm gegroeid. Producenten kunnen de vraag nauwelijks bijbenen, elke zichzelf respecterende artiest brengt ook op vinyl uit, platenzaken bloeien weer op.”
En dan is er nog de nieuwe generatie, die hij thuis ziet:
“Mijn kinderen, 14 en 17, vinden het geweldig om een plaat op de draaitafel te leggen. Ze bestuderen de hoes, lezen het boekje terwijl de muziek speelt. Het is een complete ervaring.”

Je vertelt vaak een anekdote over je jongste zoon.

Bert: Hij glimlacht. “Ik vroeg hem waarom hij vinyl zo leuk vond. Hij zei: ‘Papa, dan is het van jou. Het is jouw plaat. Op Spotify leen je de muziek en moet je elke maand betalen. Als je stopt, kun je niet meer luisteren. Dit is van jou.’”
Een 14‑jarige die praat als een verzamelaar van 50.

Laten we iets ophelderen: klinkt vinyl beter?

Bert: “Nee, zeker niet.”
Dan komt de perfecte metafoor:
“Ik vergelijk het met de oude gloeilamp versus LED. LED is helderder, maar de gloeilamp geeft warmer licht. Vinyl is precies zo: technisch niet beter, maar warmer, menselijker.”

Vinyl draaien in een live-uitzending verandert ook de manier waarop je radio maakt, toch?

Bert: “Volledig. Je moet terug naar traditionele radio. Je hebt geen intro‑tijden op een scherm, je moet weten hoe een plaat eindigt, je moet je talk en je overgangen zelf bouwen, niet met software.”
En dat heeft een prachtig bijeffect:
“Muziek komt weer centraal te staan in het programma. Bij veel radioshows is het een bijzaak geworden. Met vinyl kan dat niet.”

Na zeven à acht jaar dit programma te maken, moet ik het vragen: is vinyl een hype?

Bert: “Nee, absoluut niet. Ik zie het elke dag. Ik zie het in de cijfers. Ik zie het bij de mensen. De omzet van nieuw vinyl is enorm — en dan hebben we het nog niet eens over de tweedehandsmarkt. Het is stabiel, geen voorbijgaande trend.”

Waarom werkt het dan zo goed op de radio?

Bert: “Omdat het authentiek is. Omdat het fysiek is. Omdat het imperfect is. En omdat vinyl je dwingt om bij de muziek te zijn in een wereld waar alles instant en digitaal is. Je raakt het aan, je kijkt ernaar, je respecteert het.”
Hij sluit af met een zin die bijna een manifest is:
“Vinyl is geen hype. Het is een manier van luisteren.”

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🇮🇹

Il processo audio in radio: perché l’elaborazione del suono è molto più di un “trucco tecnico”

C’è un paradosso nella radio contemporanea: tutti parlano di contenuti, pochissimi parlano del suono. Eppure, è proprio il suono a determinare la percezione di qualità, autorevolezza e identità di una stazione. Non è un dettaglio tecnico: è un linguaggio. È un modo di stare al mondo.

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L’elaborazione del suono – il famoso processing – è spesso raccontata come una catena di compressori, limiter e equalizzatori. In realtà è un processo culturale: definisce come una radio vuole essere ascoltata, ricordata e riconosciuta.

1. Il suono come firma editoriale

Ogni radio ha una voce. Non parlo della voce dei conduttori, ma della voce della stazione.
È una voce fatta di:

• densità

• presenza

• brillantezza

• dinamica

• calore

Il processing è ciò che trasforma una playlist in un’identità.
Due stazioni possono trasmettere gli stessi brani, ma nessuno le confonderà se il suono è stato progettato con intenzione.

In radio, il suono non è neutrale: è un manifesto.

2. L’obbligo morale della radio: modificare il suono per rivelare la propria identità

Qui entra in gioco un concetto che considero fondamentale: una radio ha il dovere morale di modificare il suono originale.

Non per tradirlo, non per “migliorarlo”.
Ma per renderlo coerente con la propria personalità.

Il suono originale, quello del disco, della voce, del promo, è materia grezza.
È un punto di partenza, non un punto d’arrivo.
Una radio che si limita a trasmettere l’audio così com’è, oltre ad essere impossibile tecnicamente, rinuncia a una parte essenziale della propria responsabilità culturale: dare forma all’esperienza emozionale che offre ai suoi ascoltatori.

Modificare il suono significa:

• definire il carattere della stazione

• rendere evidente il formato

• costruire un ambiente emotivo riconoscibile

• guidare l’ascoltatore dentro un mondo sonoro coerente

La radio non è un archivio, ma e’ un interprete.
E ogni interprete ha il dovere di dare una forma alla materia che trasmette.

3. Perché serve il processing: una questione di percezione, non di volume

L’errore più comune è pensare che il processing serva a “suonare più forte”.
La verità è più sottile: serve a suonare meglio in ogni condizione di ascolto.

La radio vive in ambienti ostili:

• auto rumorose

• smartphone con altoparlanti minuscoli

• cucine, uffici, supermercati

• streaming compresso

• FM con limiti fisici severi

Il processing è un adattatore culturale: traduce la complessità del suono in un’esperienza stabile, riconoscibile e piacevole, indipendentemente dal contesto.

4. Le tre dimensioni del processing moderno

A. La dinamica

Quante volte capita di ascoltare in auto un contenuto audio, specialmente podcast e produzioni non originate dal Broadcast, e non capirne tutte le parole, dovere continuamente alzare ed abassare il volume?
La compressione non serve a schiacciare, ma a dare coerenza.

Una radio senza controllo dinamico è come un testo senza punteggiatura: tecnicamente leggibile, ma faticoso.

B. Il timbro

L’equalizzazione, l’elaborazione del ‘colore del suono’ non è un’operazione chirurgica: è una scelta estetica. Un suono più caldo comunica vicinanza. Un suono più brillante comunica energia. Un suono più “aperto” comunica modernità.

C. La densità

Limiter, clipper e AGC definiscono la “fisicità” del suono.
La radio non ha un corpo, ma può sembrare corporea.
La densità è ciò che fa percepire una stazione come “solida”, “professionale”, “importante”.
Mi e’ recentemente capitato di fare test di ascolto con gente che non ha niente a che fare con il suono, la radio, e di fonte ai confronti le risposte sono quasi sempre ‘questa e’ piu’ bella perche’ piu’ potente’, e dietro questo aggettivo leggiamo un po’ di cose, dalla ‘potenza’ vera e propria, la Loudness, alla cura dei dettagli del suono per renderlo piu’ piacevole ed emozionante,

5. L’illusione dell’omogeneità: perché ogni contenuto ha bisogno di un trattamento diverso

Una radio non trasmette solo musica.
Trasmette:

• voci

• promo

• jingle

• pubblicità

• contributi esterni

• podcast riadattati

Il processing deve essere un sistema, non un preset. La voce richiede un trattamento diverso dalla musica. Il promo richiede un trattamento diverso dal parlato.
Il contenuto esterno richiede un trattamento diverso dal contenuto prodotto in studio.

L’obiettivo non è uniformare, ma armonizzare.

6. Il futuro del processing: meno preset, più intenzione

La tecnologia oggi permette tutto: loudness costante, analisi in tempo reale, adattamento automatico ai formati.
Ma la differenza non la fa la macchina: la fa la visione.

Le radio che suonano meglio sono quelle che hanno risposto a una domanda semplice e radicale:

Che cosa vogliamo far sentire, e come vogliamo far sentire chi ci ascolta?

Il processing è un atto editoriale. È una scelta di posizionamento. È una dichiarazione di identità.

Il suono è un gesto politico

In un’epoca in cui tutto è contenuto, la radio che investe nel suono sta dicendo una cosa molto chiara:
noi ci teniamo.

Ci teniamo alla qualità. Ci teniamo all’ascoltatore. Ci teniamo alla nostra voce.

E soprattutto: ci assumiamo la responsabilità morale di trasformare il suono originale in un’esperienza che parli di noi.

L’elaborazione del suono non è un trucco tecnico: è un gesto di cura.

E la cura, oggi, è la forma più potente di differenziazione.

🇬🇧

The Audio Process in Radio: Why Sound Processing Is Much More Than a “Technical Trick”

There’s a paradox in contemporary radio: everyone talks about content, but very few talk about sound. Yet sound is exactly what shapes the perception of quality, authority, and identity of a station. It’s not a technical detail — it’s a language. It’s a way of being in the world.

Sound processing — the famous processing — is often described as a chain of compressors, limiters, and equalizers. In reality, it’s a cultural process: it defines how a radio station wants to be heard, remembered, and recognized.

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1. Sound as an Editorial Signature

Every radio station has a voice. Not the voice of the presenters, but the voice of the station itself.
A voice made of:

• density

• presence

• brightness

• dynamics

• warmth

Processing is what turns a playlist into an identity.
Two stations can play the same songs, but no one will confuse them if their sound has been intentionally designed.

In radio, sound is never neutral, it’s a manifesto.

2. The Radio’s Moral Obligation: Shaping Sound to Reveal Its Identity

Here’s a concept I consider fundamental: a radio station has a moral obligation to modify the original sound.

Not to betray it.
Not to “improve” it.
But to make it coherent with its own personality.

The original sound, the track, the voice, the promo, is raw material.
It’s a starting point, not a destination.
A station that simply broadcasts audio “as it is,” besides being technically impossible, gives up an essential part of its cultural responsibility: shaping the emotional experience it offers its listeners.

Modifying sound means:

• defining the station’s character

• making the format evident

• building a recognizable emotional environment

• guiding the listener into a coherent sonic world

Radio is not an archive, it’s an interpreter.
And every interpreter has the duty to give form to the material they transmit.

3. Why Processing Matters: A Question of Perception, Not Volume

The most common misconception is that processing exists to “sound louder.”
The truth is more subtle: it exists to sound better in every listening condition.

Radio lives in hostile environments:

• noisy cars

• smartphones with tiny speakers

• kitchens, offices, supermarkets

• compressed streaming

• FM with strict physical limits

Processing is a cultural adapter: it translates the complexity of sound into a stable, recognizable, pleasant experience, regardless of context.

4. The Three Dimensions of Modern Processing

A. Dynamics

How many times have you listened to a podcast or non-broadcast audio in the car and struggled to understand every word, constantly turning the volume up and down?
Compression doesn’t exist to flatten, it exists to create coherence.

A radio station without dynamic control is like a text without punctuation: technically readable, but tiring.

B. Timbre

Equalization, the shaping of the “color” of sound, is not a surgical operation; it’s an aesthetic choice.
A warmer sound communicates closeness.
A brighter sound communicates energy.
A more “open” sound communicates modernity.

C. Density

Limiters, clippers, and AGCs define the physicality of sound.
Radio has no body, but it can feel embodied.
Density is what makes a station feel “solid,” “professional,” “important.”

I recently ran listening tests with people who have nothing to do with radio or audio. Faced with comparisons, their reactions were almost always the same: “this one sounds better because it’s more powerful.”
Behind that word powerful we can read many things: loudness, yes, but also attention to detail, emotional impact, and sonic care.

5. The Illusion of Homogeneity: Why Every Content Type Needs Its Own Treatment

A radio station doesn’t broadcast only music.
It broadcasts:

• voices

• promos

• jingles

• commercials

• external contributions

• repurposed podcasts

Processing must be a system, not a preset.
Voices need a different treatment than music.
Promos need a different treatment than speech.
External content needs a different treatment than studio-produced material.

The goal is not uniformity, it’s harmony.

6. The Future of Processing: Less Preset, More Intention

Technology today allows everything: constant loudness, real-time analysis, automatic format adaptation.
But the difference is not made by the machine, it’s made by the vision.

The stations that sound best are those that have answered a simple, radical question:

What do we want people to hear, and how do we want them to feel when they hear it?

Processing is an editorial act.
A positioning choice.
A declaration of identity.

Sound Is a Political Gesture

In an era where everything is “content,” a radio station that invests in sound is sending a very clear message: we care.

We care about quality. We care about the listener. We care about our voice.

And above all:
we take moral responsibility for transforming the original sound into an experience that speaks for us.

Intervista a Gianluca Costella, manager dell’audio, mente creativa di format radiofonici e collezionista da 30.000 vinili.

Nel prossimo articolo parleremo invece con Bert Vos, direttore di Simone FM, Paesi Bassi, che dedica buona parte della programmazione della sua radio alla trasmissione di musica da Vinile.

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Chi è Gianluca Costella

Manager con una lunga carriera nell’industria radiofonica italiana, da 20 anni in forza al gruppo GEDI, Gianluca Costella ha attraversato l’epoca delle radio libere milanesi contribuendo alla nascita di format, palinsesti e strategie musicali che hanno segnato un’epoca.

È talent di Radio Capital per Capital Funky e creatore del format Funky Town, uno dei progetti più riconoscibili nel panorama funk e soul italiano.

Parallelamente, è uno dei più importanti collezionisti privati del Paese:
quasi 30.000 vinili, una conoscenza enciclopedica di produzioni, cataloghi, sessioni e rarità.

“Il vinile non è perfetto. È vivo.”

Ci sono persone che la musica non la ascoltano soltanto: la organizzano, la curano, la dirigono. Gianluca Costella è una di queste.

L’ho intervistato per capire cosa ci sia davvero dietro il ritorno del vinile.

Perche’ il vinile nel 2026 nell’oceano della tecnologia?

Legato all’ascolto di un disco in vinile c’è un vero e proprio rituale.
E’ un oggetto che ha un suo fascino; se lo posseggo dalla notte dei tempi, magari posseduto da mio padre, quel fascino è ancora maggiore.

La prima cosa che percepisco è che ho un oggetto affascinante che inizio ad apprezzare ancor prima di suonarlo, ammirando la copertina.

Seconda cosa, quando lo suono, lo appoggio sul giradischi, perdono tutte le imperfezioni tecniche a fronte di un suono caldo, perché è innegabile che il vinile restituisce una qualità sonora meno precisa, meno fedele rispetto al digitale non compresso, ma più calda.
Anche il fruscio del disco e il rumore di sottofondo sono sensuali funzionalmente all'ascolto.
Se a questo uniamo il fatto che molto frequentemente ha una bella copertina, e una volta ci si applicavano quando facevano le copertine, ci troviamo a che fare con vere e proprio opere d’arte al pari di un quadro.

Il vinile e’ un rituale

E poi i libretti che spesso erano inclusi nei dischi, con la possibilità di seguire i testi sfogliando un book talvolta anche fotografico, tutto questo mix di cose restituisce, come dicevo prima, un rituale: il rituale dell’ascolto del vinile, che con la musica liquida non puoi avere, perché è proprio freddo il rapporto.
Io clicco, faccio partire un file, faccio partire un CD che è perfetto, che si sente benissimo, ma che non ha personalità.

Il vinile ha personalità e la personalità sono anche gli scricchiolii

Condividi Sound Matters - by Max Pandini

Il vinile è davvero il supporto migliore?

No, non è il supporto più fedele.
Un CD, tecnicamente, è più pulito. Ma la fedeltà non è tutto: il vinile, come detto prima, ha un fascino che nessun altro formato possiede:
un suono meno preciso, sì, ma più caldo, più “cavo”, più sensuale, perfino i fruscii diventano parte dell’esperienza.
Non difetti, ma carattere.

Quindi è una questione di emozione più che di tecnica?

È entrambe le cose.
C’è il rituale — l’oggetto, la copertina, il gesto — ma c’è anche un aspetto psicoacustico che molti ignorano.

Con la compressione digitale vengono eliminate alcune armoniche, cioè quelle micro‑sfumature che il nostro cervello interpreta come “emozione”.

Sono frequenze che non servono alla comprensione del brano, ma servono alla pelle d’oca. Il vinile, invece, conserva queste armoniche.
E il nostro cervello le riconosce come qualcosa di vivo. È lo stesso motivo per cui uno Stradivari non suona come un violino qualsiasi: la differenza non è nella nota, ma nelle sfumature armoniche che lo strumento riesce a produrre.
Il vinile fa la stessa cosa con la musica

E i giovani? Perché stanno tornando al vinile?

I giovani sono rimasti affascinati, esattamente come siamo rimasti affascinati noi quando abbiamo iniziato a comprare i primi dischi.

Qui c’è da fare un ragionamento anche più profondo.
Ho un sacco di amici che hanno negozi di dischi, quindi ho il termometro non solo italiano, ma ti direi anche europeo, di Francia e Svizzera per esempio.

I giovani comprano qualche cosa di nuovo, ma tendenzialmente acquistano le incisioni di catalogo, vanno a riscoprire le cose che magari ascoltavano col papà quando erano più piccoli.
Non voglio fare nomi, ma l’artista di oggi che si ispira a De Gregori...
Bene, sai che c’è? Piuttosto che investire 40 euro nel disco di questo (magari masterizzato ad hoc per la fruizione digitale e che poco rende da vinile), me lo ascolto liquido e via, e 40 euro li spendo per comprarmi l’album di De Gregori anni ’70 dove mi ascolto ‘Atlantide’, che è uno dei capolavori assoluti della musica italiana che, ahimè, per ora non è stato ancora bissato da nessun artista contemporaneo.

Questa è la verità, e c’è anche un discorso legato all’investimento economico.
Un ragazzo giovane che ha deciso di spendere 40 Euro per un disco, dice: “Vado a comprare qualcosa che ha un valore nella storia, piuttosto che un disco di oggi che forse domani non avrà alcun senso”.
Tieni conto che io i dischi li compro da quando ero bambino.

Ecco, la tua collezione è leggendaria.
Da dove nasce tutto?

Da un’infanzia particolare.
A quattro anni ho avuto un problema di salute che mi ha costretto a casa per mesi.
Veniva a trovarmi spesso mio cugino più grande di me e mi portava sempre un sacco di dischi: Genesis, Pink Floyd, PFM, cantautorato italiano.

La musica è stata la compagnia della mia infanzia.

È stato automatico, poi crescendo, il desiderio di avere dei dischi miei, di farmeli regalare in ogni occasione: Natale, compleanno.
E poi quando sono nate le radio nel ‘75 io impazzivo perché ascoltavo tantissima musica. Tantissima.
E naturalmente mi annotavo tutti i dischi che mi piacevano, che avrei voluto ricevere in regalo o che mi compravo io con la mancetta.
Il primo disco che ho preso è stato “Music” di John Miles e l’album “Nice and Nasty” della Salsoul Orchestra. Forse quel disco lì l’ho comprato perché aveva una copertina accattivante, non lo so, però mi piaceva anche il suono soul.
I primi dischi invece me li aveva regalati mio cugino, sono stati i Pink Floyd, “Selling England by the Pound” dei Genesis, un disco che mi ha fatto impazzire che io dico sempre essere il disco che mi ha proprio fatto innamorare della musica.Questi dischi hanno dato il la alla mia mastodontica collezione, 20/25000 vinili…

E vinili ne compro ancora. Oggi mi è arrivato un pacco di dischi dalla Germania di vari generi. Cosmic Funk, due lp di Sergio Mendes dei primi anni ’60, la collezione si arricchisce.

Inoltre sin da piccolo sono sempre stato attirato anche dalla passione per l’alta fedeltà. Va bene ascoltare il vinile, ma io ho sempre voluto ascoltare bene.

Non esiste “avere tutto”.
C’è sempre un disco che manca.
Sempre.

Magari ce l’ho già, ma lo voglio in una condizione migliore.
Oppure scopro un gruppo Brazil Funk degli anni ’70 e mi si apre un mondo.
È una ricerca continua, e non voglio che finisca.

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L’ascolto. Con cosa ascolti tutta questa musica?

Ho più impianti, perché non ascolto sempre allo stesso modo.

Quando ho voglia di sentire il suono meno fedele, meno preciso, ma più sensuale, più accattivante, più emozionante, vado e mi ascolto un impianto vintage che ho con amplificatore Marantz, casse AR, cioè un impianto top level ma del 1978.

E lì sento un suono pieno di difetti, in realtà. Entro in un mood psicologico E’ un esercizio che faccio: metto un disco, che ne so, supponiamo “Wish You Were Here” dei Pink Floyd, un grande classico.
Se io lo suono con il mio impianto Marantz, che era stato costruito quando è uscito quel disco, io mi emoziono.
È chiaro che se poi lo suono con le JBL Control Monitor, oppure con le speaker Sonus Faber e l’amplificatore McIntosh nuovo, ultimo modello, ho una precisione di suono, di riproduzione molto maggiore.
Li’ Sono nella modalità “voglio sentire bene” e allora uso quell’impianto.
Ma se invece voglio emozionarmi al massimo, io accendo l’impianto vintage.
Ed è un gioco, è una macchina del tempo. Torno proprio all’epoca.

Ho una piccola collezione di hi-fi vintage, ad esempio posseggo ancora un amplificatore Luxman, che è quello che avevo comprato nel ‘79, e mi ricordo che con quell’impianto ascoltavo il primo album dei Dire Straits, quello con “Sultans of Swing”. E mi viene la pelle d’oca, perché mi sembra di tornare indietro di 45 anni.

Estremizzo: quando mi viene il desiderio di ascoltare il rock ‘n roll di Bill Haley ad esempio, accendo il mio Juke Box Seeburg e mi proietto dritto nelle atmosfere “Happy Days”!

L’audiofilia è questo: un equilibrio instabile tra nostalgia ed esattezza.

Quanto deve investire un giovane che vuole iniziare?

Per i dischi, poco: 10–15 album fondamentali, 30–40 euro l’uno.
Il vero investimento è l’impianto.

Per ascoltare bene invece serve un setup serio. Non basta un amplificatore “che si sente forte”. Serve controllo, equilibrio, capacità di restituire ciò che è stato inciso.

E poi inizia il viaggio infinito: un basso più frenato, un acuto meno metallico e più vellutato, una testina migliore, un preamplificatore magari valvolare, una finale più potente… Non si finisce mai.
Ed è proprio questo il bello.

Se dovessi riassumere in una frase perché il vinile continua a tornare?

Perché il vinile non è perfetto.
È vivo.

C’è una frase che si ripete spesso: “Il vinile è tornato.”

In realtà non se n’è mai andato. Ha solo continuato a vivere in quelle zone della cultura dove la fretta non attecchisce: le mani dei collezionisti, i negozi indipendenti, le case di chi ascolta musica come un gesto e non come un sottofondo.
Quello che è cambiato siamo noi, e soprattutto i più giovani, che abbiamo ricominciato a cercarlo.

In due parti, quasi come se fossero Lato A e Lato B di un 45 giri di successo, che contiene una grande Hit su etrambi i lati, ci avventuriamo in un viaggio dedicato al suono dei Vinili e al loro valore.

• Lato A: vinile che passione, il calore dell’audio analogico

• Lato B: storie di Vinili, intervista a Gianluca Costella e Bert Vos

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Il punto non è solo la qualità del suono, anche se il rituale analogico ha una sua fisicità che nessun algoritmo può replicare. Il punto è che il vinile restituisce alla musica una cosa che abbiamo perso: la presenza.
Un disco occupa spazio, chiede attenzione, pretende un tempo dedicato. Non puoi “skippare” con un pollice distratto. Devi esserci.

E quello che succede in quel mondo minimale di pochi millimetri e’ davvero magico.
Una puntina che ripercorre microsolchi di qualche micron e trasforma un elemento meccanico nell’emozione di un suono!

Il valore dell’attrito

Viviamo in un’epoca in cui tutto è progettato per essere immediato, fluido, invisibile. Il vinile fa l’opposto: introduce attrito.
E proprio quell’attrito, togliere il disco dalla busta, appoggiare la puntina, girare lato A e lato B, diventa parte dell’esperienza. È un piccolo rito domestico che ci ricorda che la musica non è solo contenuto, ma contesto.

Un archivio che racconta chi siamo

Una collezione di vinili è una biografia in forma di scaffale.
Ogni disco porta con sé un luogo, una stagione, una persona. Non è un algoritmo a suggerirti cosa ascoltare: sei tu a scegliere, e quella scelta dice qualcosa di te.

Perché i vinili parlano ai giovani (e perché il suono analogico ci scalda ancora)

C’è un paradosso che attraversa la cultura contemporanea: mentre tutto diventa più veloce, più liquido, più digitale, i ragazzi sotto i trent’anni stanno riportando in vita un oggetto che richiede lentezza, cura e presenza.
Il vinile non è più un feticcio da collezionisti o un cimelio da nostalgici: è diventato un linguaggio generazionale.

Il trend: un ritorno che non è nostalgia

Negli ultimi anni le vendite di vinili sono cresciute in modo costante, spesso superando i CD e avvicinandosi — simbolicamente, più che nei numeri — allo streaming.
Ma la cosa interessante non è la curva delle vendite: è chi sta comprando i dischi.
I giovani non hanno memoria diretta del vinile. Non lo associano all’infanzia, ai genitori, ai negozi di dischi degli anni ’80. Per loro è una scoperta, non un ritorno.
E proprio per questo il vinile diventa un gesto identitario: un modo per sottrarsi alla logica dell’algoritmo, per scegliere attivamente cosa ascoltare, per costruire un rapporto fisico con la musica.

Il suono caldo del vinile

E ora veniamo a cio’ che piu’ ci piace raccontare ed ascoltare: il suono!
Sound Matters!
L’audio di un vinile viene spesso descritto come ‘piu’ caldo’ ed emozionante del ‘freddo’ digitale di un cd o di un file. Solo sensazione o c’e’ del tecnico?

Ebbene si’
ci sono spiegazioni tecniche concrete per cui il vinile viene percepito come “più caldo” rispetto al digitale, ma la percezione è anche influenzata da mastering, catena di riproduzione e fattori psicologici.

Spiegazione tecnica sintetica

1. Forma d’onda continua vs campionamento discreto.
Il vinile è un supporto analogico che riproduce una forma d’onda continua, mentre il digitale campiona il segnale a intervalli (es. 44,1 kHz) e lo ricostruisce tramite DAC; questa continuità analogica contribuisce a una sensazione di “morbidezza” nelle transizioni timbriche.

2. Distorsione armonica “eufonica”.
La catena meccanica (puntina, testina, pre-phono) introduce prevalentemente armoniche pari che l’orecchio percepisce come ricchezza o calore, mentre certe distorsioni digitali tendono a generare armoniche dispari più fastidiose.
Questo tipo di distorsione è spesso descritto come musicalmente gradevole.

3. Filtraggio e roll‑off delle alte frequenze.
Sistemi vinilici e mastering per vinile spesso presentano un roll‑off HF più dolce, riducendo asprezza e fatica d’ascolto; il risultato è una timbrica meno “brillante” e più avvolgente.

4. Mastering differente.
I vinili vengono spesso masterizzati diversamente (compressione, equalizzazione, gestione dei bassi) per adattarsi ai limiti fisici del solco: questo influisce molto sul “calore” percepito, a volte più del formato stesso.

Rischi, limiti e come testare (pratico)

• Limiti tecnici: rumore di superficie, usura, wow/flutter; la qualità dipende da testina, braccio, pre-phono.

• Bias percettivo: rituale e aspettativa aumentano la sensazione di calore.

• Test consigliato: confronta lo stesso master su vinile e file lossless usando la stessa catena di amplificazione (stesso amplificatore e diffusori), ascolta passaggi con transitori e alte frequenze per valutare differenze reali.

Quindi
il “calore” del vinile è parzialmente tecnico (continuità, armoniche, roll‑off, mastering) e parzialmente psicologico/rituale; entrambi gli aspetti contribuiscono in modo significativo alla percezione.

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Intanto l’audio: in auto la maggior parte dei Podcast non e’ inteleggibile, si usano spesso plugin gratuiti o improvvisati anziche’ processo audio professionale e questo ne rende davvero difficile l’ascolto in ambienti rumorosi, si perdono parole, le telefonate vengono sormontate dal rumore dell’auto in accelerata; i Podcast devono suonare famigliari a come l’orecchio e’ stato abituato finora, ovvero l’audio della Radio!
Ma soprattutto devono suonare in una modalita’ a cui la radio e’ gia’ abituata e maestra: sempre sopra il livello di rumore circostante.

E poi i contenuti: se i Podcast sono l’eco del web o peggio ancora dei social (mi e’ capitato di sentire in podcast iper-quotati “leggevo la scorsa settimana su facebook”), posso capirne l’utilita’?

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Fatta questa premessa vediamo come va il mondo dell’audio e delle produzioni on-demand nelle nazioni analizzate, ovvero Italia, Germania, Francia, Uk, Spagna e Usa.
Per ‘audio’ intedo tutto cio’ che parte dal mondo audio-based, o radio-based anche se poi ci vengono costruite situazioni visual.

Partiamo dall’aspetto commerciale per capire il valore delle produzioni nei mercati, e poi vediamo l’offerta editoriale per capire come si raggiungono i valori di mercato.

Ti faro’ qualche domanda qua e la’ nell’articolo, mi interessa molto il tuo parere per il lavoro che faccio in giro per il mondo, se ti va dimmi la tua opinione.

Il Valore del mercato delle produzioni On Demand

Ecco un confronto sintetico dei valori stimati dei mercati podcast nei principali Paesi occidentali.

I dati provengono da analisi di mercato, report europei e stime consolidate del settore. Dove non esistono osservatori ufficiali, indico intervalli realistici basati su trend e investimenti.

• USA: il mercato più grande e strutturato, trainato da pubblicità, abbonamenti e network come Wondery, NPR, Spotify Studios.

• Germania: la cifra molto alta deriva dal fatto che molti report tedeschi aggregano podcast + audio digitale + streaming, quindi non è direttamente comparabile con i valori “solo podcast” degli altri Paesi.

• UK: mercato molto professionale, forte presenza BBC, Global e studi privati.

• Francia: ecosistema creativo vivace, ma investimenti pubblicitari più contenuti rispetto a UK e Germania.

• Italia: mercato giovane ma in forte crescita, con un ruolo importante dei branded podcast.

• Spagna: crescita simile all’Italia, con forte adozione mobile e contenuti in lingua spagnola che circolano anche in America Latina.

Nonostante il ‘campo largo’, il mercato tedesco resta tuttavia a mio avviso il modello piu’ interessante a cui ispirarsi: il broadcast e’ il perno di expertise attorno a cui ruota il mondo delle produzioni on-demand, ed e’ tra i mercati piu’ strutturati e organizzati perche’ i produttori di contenuti tedeschi hanno da subito preso tremendamente sul serio questa frontiera della comunicazione.

I contenuti

Vediamo ora cosa caratterizza le produzioni delle nazioni sopra citate.

USA – Il laboratorio globale

Caratteristiche editoriali

• Dominio di grandi network: NPR, Wondery, The New York Times, Vox, Gimlet.

• Forte presenza di indipendenti social-first e creator con community enormi.

• Generi dominanti:

• News daily (The Daily, Up First)

• True crime

• Talk show e opinion (Joe Rogan, ecc.)

• Investigazione longform

• Altissima qualità narrativa e sonora, uso massiccio di sound design.

• Modelli editoriali molto chiari: serie, stagioni, verticalità.

Punti di forza

• Ecosistema maturo, sperimentazione continua.

• Forte cultura del daily news podcast.

• Capacità di scalare globalmente.
  

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REGNO UNITO – Tradizione, rigore, sperimentazione

Caratteristiche editoriali

• Leadership della BBC, che detta standard narrativi e tecnici.

• Forte presenza di studi indipendenti (Tortoise, Broccoli Content).

• Generi dominanti:

  • News e approfondimento

  • Documentari audio

  • Comedy e intrattenimento

• Grande attenzione alla scrittura e alla voce.

Punti di forza

• Cultura audio radicata.

• Podcast come estensione naturale del giornalismo.

GERMANIA – Qualità, istituzioni forti, mercato solido

Caratteristiche editoriali

• Ruolo centrale dei broadcaster pubblici (ARD, Deutschlandfunk).

• Produzioni molto curate, spesso più “radiofoniche” che “podcast-native”.

• Generi dominanti:

• Cultura, filosofia, scienza

• True crime

• Approfondimento giornalistico

• Crescita di studi indipendenti, ma meno esplosivi rispetto a UK/USA.

Punti di forza

• Grande fiducia del pubblico nei media pubblici.

• Standard tecnici elevati.

FRANCIA – Creatività, autorialità, forte identità

Mi ha impressionato quando ho parlato con Radio France qulche mese fa riguardo al processing audio dei loro contenuti, il numero elevato di produzioni che hanno, le regionalizzazioni e soprattutto i milioni di ascoltatori mensili.

Caratteristiche editoriali

• Ecosistema vivace, con studi come Binge Audio, Nouvelles Écoutes, Louie Media.

• Forte impronta autoriale e narrativa.

• Generi dominanti:

  • Documentari e reportage

  • Podcast culturali

  • Fiction audio

  • Grande attenzione alla messa in scena sonora.

Punti di forza

• Identità stilistica riconoscibile.

• Buona esportazione nei paesi francofoni.

SPAGNA – Crescita rapida, forte influenza latinoamericana

Caratteristiche editoriali

• Leadership di Podium Podcast (Prisa).

• Forte consumo mobile e social.

• Generi dominanti:

  • True crime

  • Intrattenimento

  • Fiction

• Crescita di creator indipendenti con community iberoamericane.

Punti di forza

• Mercato linguistico enorme (Spagna + LATAM).

• Buona capacità di serializzare e rendere pop i contenuti.

ITALIA – Branded forti, narrativa in crescita, ibridazione radio

Caratteristiche editoriali

• Ecosistema ibrido: radio, studi indipendenti, piattaforme.

• Leadership di Chora Media, OnePodcast, RAI, Will Media, gruppi con produzioni significative in crescita (Corax, Vois).

• Generi dominanti:

  • True crime

  • Attualità e spiegazione

  • Branded podcast (segmento molto forte)

  • Serie narrative

• Crescita della qualità editoriale e della scrittura.

Punti di forza

• Capacità di creare storytelling emotivo e riconoscibile.

• Forte domanda da parte dei brand.

Quali modelli editoriali funzionano di piu’ in Europa
(e dove può inserirsi un produttore italiano)

Negli ultimi anni il mercato europeo del podcast è diventato un mosaico complesso: ogni Paese ha sviluppato un proprio stile, un proprio ritmo, un proprio modo di intendere la narrazione audio. Eppure, osservando con attenzione, emergono alcune linee comuni che attraversano i confini e definiscono ciò che funziona davvero nel nostro continente.

In Europa, i modelli editoriali più solidi sono quelli che riescono a combinare abitudine, serialità e identità. I daily di news, per esempio, continuano a crescere perché rispondono a un bisogno semplice: avere una voce di riferimento che ti accompagna ogni giorno, in un formato breve e riconoscibile. È un modello che funziona benissimo nel Regno Unito, in Germania e in Francia, e che sta maturando anche in Italia e Spagna. Non è solo informazione: è un rituale.

Accanto ai daily, il grande motore europeo resta la narrazione seriale, soprattutto nel true crime e nell’investigazione. È il genere più “bingeabile”, quello che crea attesa, che costruisce comunità e che permette ai produttori di lavorare con una struttura chiara, quasi televisiva. È anche il genere più esportabile: una buona storia investigativa, ben scritta e ben prodotta, può viaggiare da un Paese all’altro con una facilità sorprendente.

Poi c’è il territorio dei documentari narrativi, che in Francia e nel Regno Unito ha raggiunto livelli altissimi di cura e di autorialità. Qui il podcast diventa un luogo di scrittura, di messa in scena sonora, di ricerca. È un modello che in Italia sta crescendo, ma che richiede tempo, risorse e una cultura editoriale che non sempre i media tradizionali sono pronti a sostenere.

Infine, c’è il mondo dei talk verticali, guidati da host forti e riconoscibili. In Germania, Francia e UK sono ormai un pilastro: non semplici conversazioni, ma spazi editoriali con un’identità precisa, un punto di vista, un ritmo. In Italia questo modello esiste, ma spesso è ancora troppo legato alla radio o alla logica del “programma”, più che a quella del podcast.

Dove può inserirsi un produttore italiano

Per un produttore italiano che guarda all’Europa, le opportunità non mancano. La Germania, per esempio, è un mercato che premia la qualità tecnica e il rigore: qui funzionano molto bene le serie investigative, i documentari culturali, i progetti che affrontano temi europei con profondità. Un produttore italiano può portare storie e sensibilità che i tedeschi trovano affascinanti, purché trattate con serietà e struttura.

La Francia, invece, è il regno dell’autorialità. Qui c’è spazio per progetti che uniscono sensibilità mediterranea e cura formale: storie culturali, sociali, intime, raccontate con una voce forte. È un mercato che ama la narrazione, la scrittura, la messa in scena sonora. Un terreno fertile per chi sa costruire atmosfere.

Il Regno Unito è più complesso: richiede inglese impeccabile, rigore giornalistico e formati molto chiari. Ma è anche un Paese che guarda all’Europa con curiosità. Raccontare l’Italia come laboratorio sociale, dalla politica alla Chiesa, dal calcio alla moda – può essere una chiave interessante, soprattutto se inserita in un contesto più ampio.

La Spagna, infine, è un mercato più pop, più ritmico, più vicino all’intrattenimento. Qui funzionano le storie forti, i crime, le fiction, i progetti pensati per un pubblico mobile-first. Ed è anche un ponte naturale verso l’America Latina: un’opportunità enorme per chi vuole lavorare su scala linguistica e non solo geografica.

Quali generi italiani possono davvero viaggiare

Se guardiamo ai generi più esportabili, il primo posto spetta senza dubbio al true crime. Le storie italiane – dalla cronaca nera alla mafia, dalla corruzione ai misteri irrisolti – hanno un fascino internazionale che pochi altri Paesi possono vantare. Ma per funzionare fuori dai confini devono essere trattate con rigore, evitando stereotipi e folklore.

Molto esportabili sono anche le docu-serie sociali e politiche: l’Italia come lente sul mondo, come caso di studio, come laboratorio di fenomeni che poi si riflettono in tutta Europa. È un approccio che interessa soprattutto UK, Francia e Germania.

Poi ci sono le storie culturali e di costume: moda, cibo, calcio, famiglia, relazioni, città. Funzionano bene se non diventano cartoline, ma se riescono a raccontare qualcosa di universale attraverso un punto di vista italiano.

Infine, i formati “explainer”: mini-serie che spiegano fenomeni complessi con chiarezza e ritmo. Sono strutture replicabili, adattabili, vendibili come format.

L’Europa è un continente di podcast molto più vario di quanto sembri. Ma dentro questa varietà ci sono pattern chiari: la forza della serialità, la centralità della voce, la ricerca di identità editoriali solide. Per un produttore italiano, la chiave non è imitare i modelli altrui, ma capire dove la propria sensibilità può incontrare i bisogni degli altri mercati.

E spesso, la risposta è semplice: portare storie italiane nel mondo, ma con un linguaggio europeo.

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Quindi non essere solo in balia di onde e contenuti altrui, la cassa di risonanza del web.

Proporre un contenuto esclusivo, interessante ed utile, originale.

La radio è leader nell’ecosistema di offerta musicale, il grande valore della scelta umana e non da algoritmo.

Scegliere di non scegliere (nell’oceano dell’offerta musicale), e affidarsi ad altri che scelgono per continuare a sorprenderci, meravgliarci.

🇬🇧 English version below

Radio Kappa ha organizzato presso il Polo universitario di Rovigo uno dei suoi workshop sulla Radio a cui ho partecipato come relatore insieme all’amico e collega Dario Spada, conduttore e producer di Radio 105 e a Tommaso Corso, Marketing e Social Manager.
Ecco di cosa ho parlato.

Intanto in questa prima parte (ne seguiranno altre) vorrei partire da un’idea semplice, quasi banale, ma che spesso dimentichiamo: la radio non è nata per rincorrere ciò che già esiste altrove.
La radio è nata per creare. Per proporre. magari anche per sorprendere, ma soprattutto per essere utile e interessante. E allora se la radio diventa solo la cassa di risonanza del web, o di altre fonti smette di essere radio.

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La Radio è la tecnologia più antica per il futuro, fortemente contemporanea.
Innanzitutto la Radio è libera, può permettersi di dire quello che vuole senza incorrere in ban.
La Radio ha un’importanza fondamentale in caso di emergenze, come già successo di recente in Spagna.
Inoltre la Radio è leggera, raggiunge posti impensabili e non impegna lo sguardo o le attività che si stanno svolgendo.
La Radio è vicina al territorio, perché parla, promuove e pubblicizza eventi e attività locali che non possono naturalmente trovare spazio in contesti nazionali.
E, non da ultimo, la radio è Gratis.

Tuttavia la Radio deve continuare a rinnovarsi, migliorare, evitare gli errori che la relegano ad essere eco di altri media, specie nella proposta dei contenuti.

Negli ultimi anni abbiamo assistito a un fenomeno curioso:

• Il web detta i trend.

• I social dettano i tempi.

• Le chat dettano i contenuti.

E molti programmi radiofonici, invece di guidare, si limitano a inseguire.
Si leggono messaggi WhatsApp come se fossero il contenuto. si commentano meme come se fossero notizie, si rincorrono e riportano argomenti già virali altrove.

Ma se il pubblico ha già visto, già letto, già ascoltato…
Perché dovrebbe venire da noi?

Il ruolo del conduttore oggi

Un conduttore non è un lettore di messaggi, non è un amplificatore di contenuti altrui, non è un algoritmo umano.

Un conduttore è, o dovrebbe essere, un autore, qualcuno che porta un punto di vista, un’esperienza, un’intuizione, qualcuno che crea valore, non che lo ricicla.

La radio ha bisogno di voci che sappiano dire:
“Questo non l’avete ancora sentito.”
“Questo non lo trovate su TikTok.”
“Questo è il mio contributo, il mio sguardo, la mia storia.”

In poche parole, la radio deve tornare a essere fonte, ad essere un punto di approdo e non solo essere in balia delle onde, di contenuti altrui, deve riappropriarsi della sua autorevolezza, che le e’ sempre appartenuta fin dalla sua nascita.
Ritornare ad essere la creatrice di contenuti, di tendenze.

Per essere rilevanti, la radio, tramite i suoi conduttori, deve tornare a essere origine, non eco.

1. Proporre contenuti esclusivi
   Un conduttore che racconta un aneddoto personale, un incontro, un dubbio, un pensiero, una storia vissutasta già facendo qualcosa che nessun social può replicare.

2. Costruire utilita’
   Il pubblico cerca intrattenimento autorevole, ma anche orientamento, contesto, strumenti.
   Un conduttore che spiega, approfondisce, collega i puntini anche con il mondo della musica diventa un punto di riferimento.

3. Coltivare la propria identita’
   La radio vive di personalità, di stile, di tono, di ritmo, di quella cosa invisibile che fa dire all’ascoltatore: “Lo riconoscerei anche al buio.”

Tutto cio’ e’ urgente, perché oggi il pubblico ha infinite alternative e sceglie ciò che è autentico, umano, irripetibile.
La radio ha un vantaggio enorme: la sua intimità, ma anche la sua immediatezza, la sua capacità di creare relazione. Ed e’ gratis!
Ma questa relazione esiste solo se chi parla ha davvero qualcosa da dire.

La Musica: il super potere della Radio

E poi entra in gioco un elemento che spesso diamo per scontato: la musica.

La radio è ancora oggi leader nell’ecosistema musicale, non perché abbia o debba avere più brani, non perché abbia più tecnologia. Ma perché ha più umanità.
Anche nei processi automatizzati, nelle scalette giustamente organizzate (il mito del ‘mi portavo i dischi da casa’ e ‘suono quello che mi va’ e’ controproducente. Persino dietro Jack FM ‘We play what we like’ c’e’ uno studio accurato e niente e’ lasciato al caso), c’e’ il calore umano che decide, imposta.

Gli algoritmi propongono.
La radio sceglie.
Gli algoritmi ottimizzano.
La radio emoziona.
Gli algoritmi ti danno ciò che già ti piace.
La radio ti fa scoprire ciò che non sapevi di amare.

In un oceano infinito di musica, dove tutto è disponibile sempre, la vera libertà non è scegliere.
La vera libertà è scegliere di non scegliere.
È affidarsi a qualcuno che seleziona per te, che ti guida, che ti accompagna.
È dire:“Fammi compagnia, fammi scoprire, fammi sorprendere.”
Questo è il valore editoriale della radio ed è ciò che nessuna piattaforma può replicare.
La Radio del futuro sarà quella che offre ciò che il web non può dare: una voce che pensa, una mente che seleziona, un cuore che suona.

Perché la radio, quando è fatta bene, non segue il mondo.
Lo anticipa.

Condividi Sound Matters - by Max Pandini

🇬🇧

Radio must put forward a unique and exclusive proposition.
It cannot simply drift in the currents of other people’s content, nor become the echo chamber of the web.

It must offer content that is exclusive, interesting, useful, and original.

Radio is still the leader in the music‑offering ecosystem, and its greatest strength lies in human choice, not algorithmic selection.

In an ocean of infinite musical options, choosing not to choose, and trusting someone else to choose for us, is what allows us to keep being surprised, moved, and amazed.

Radio Kappa organized one of its workshops on Radio at the University Hub of Rovigo, where I took part as a speaker together with my friend and colleague Dario Spada, host and producer at Radio 105, and Tommaso Corso, Marketing and Social Manager.

Here’s what I talked about.

I’d like to start from a simple idea, almost obvious, yet often forgotten: radio was not born to chase what already exists elsewhere.

Radio was born to create, to propose, sometimes to surprise, but above all, to be useful and interesting.

And so, if radio becomes nothing more than the loudspeaker of the web or of other sources, it stops being radio.

Radio is the oldest technology of the future, and profoundly contemporary.
First of all, radio is free: it can say what it wants without risking bans.
Radio plays a crucial role in emergencies, as we’ve recently seen in Spain.
It is also light: it reaches unexpected places and doesn’t demand your eyes or interrupt whatever you’re doing.
Radio stays close to the community, because it speaks about, promotes, and advertises local events and activities that naturally can’t find space in national contexts.
And, not least, radio is (costs) free.

However, radio must keep evolving, improving, and avoiding the mistakes that reduce it to merely echoing other media, especially when it comes to content.

In recent years, we’ve witnessed a curious phenomenon:

• The web dictates the trends.

• Social media dictates the timing.

• Chats dictate the content.

And many radio shows, instead of leading, simply follow.
They read WhatsApp messages as if that were the content.
They comment on memes as if they were news.
They chase and repeat topics that have already gone viral elsewhere.

But if the audience has already seen it, already read it, already heard it…
Why should they come to us?

The role of the presenter today

A presenter is not a message reader.
Not an amplifier of someone else’s content.
Not a human algorithm.

A presenter is — or should be — an author: someone who brings a point of view, an experience, an intuition. Someone who creates value, not someone who recycles it.

Radio needs voices capable of saying:
“This is something you haven’t heard yet.”
“You won’t find this on TikTok.”
“This is my contribution, my perspective, my story.”

In short, radio must return to being a source, a place to arrive, not something tossed around by the waves of other people’s content.
It must reclaim the authority that has belonged to it since the day it was born, it must return to being a creator of content and trends.

To remain relevant, radio — through its presenters — must return to being the origin, not the echo.

1. Proposing exclusive content

   A presenter who shares a personal anecdote, an encounter, a doubt, a thought, a lived story is already doing something no social platform can replicate.

2. Building usefulness

   The audience seeks authoritative entertainment, but also orientation, context, tools. A presenter who explains, deepens, connects the dots — even with the world of music becomes a point of reference.

3. Cultivating one’s identity

   Radio lives on personality, style, tone, rhythm —
   on that invisible quality that makes the listener say:
   “I would recognize them even in the dark.”

All this is urgent, because today the audience has infinite alternatives
and chooses what is authentic, human, unrepeatable.
Radio has a huge advantage: its intimacy, its immediacy, its ability to create a relationship.
And it’s free.

But this relationship exists only if the person speaking truly has something to say.

Music: Radio’s superpower

And then there’s an element we often take for granted: music.

Radio is still the leader in the music ecosystem not because it has (or needs) more tracks, not because it has more technology, but because it has more humanity.

Even in automated processes, in well‑structured playlists (the myth of “I brought my records from home” or “I play whatever I feel like” is counterproductive — even behind Jack FM’s “We play what we like” there is careful research and nothing is left to chance), there is human warmth deciding and shaping the flow.

Algorithms propose.
Radio chooses.
Algorithms analyze data.
Radio analyzes people.
Algorithms optimize.
Radio moves you.
Algorithms give you what you already like.
Radio helps you discover what you didn’t know you loved.

In an infinite ocean of music, where everything is always available, true freedom is not choosing.
True freedom is choosing not to choose.
It is trusting someone who selects for you, who guides you, who accompanies you.
It is saying: “Keep me company, let me discover, let me be surprised.”

This is radio’s editorial value and it is something no platform can replicate.
The radio of the future will be the one that offers what the web cannot: a voice that thinks, a mind that curates, a heart that plays.

Because radio, when done well, does not follow the world.
It anticipates it.

🇬🇧 English version below

Al World Radio Day di Milano, durante il workshop che ho curato dedicato all’imaging radiofonico (e non solo), abbiamo affrontato un tema che in Italia continua a essere sottovalutato.

Con me c’era anche Milan Sweeck di Dubb, che ha mostrato in modo magistrale come si costruiscono jingles e power intro con un approccio moderno, strutturato e profondamente legato al formato.

Ed è proprio da qui che siamo ripartiti: Trovarsi al World Radio Day di Milano per migliorarci, per aumentare il valore della radio.

E per farlo non basta la ricerca, non bastano i dati, non bastano le analisi. Serve osservare.

Subscribe

Osservare in campo largo, come abbiamo sempre fatto quando ascoltavamo RMC, RTL Luxembourg, Z100.

Più gli orizzonti sono ampi, più opportunità ci sono.

Più guardiamo fuori, più capiamo cosa manca dentro, Perché serve guardare lontano; le radio che crescono sono quelle che osservano il mondo, che studiano i linguaggi globali.

Il problema nelle radio nel l’approccio alla produzione degli elementi sonori è spesso agire come se fossimo al “supermercato del suono”

• “Quanto vengono 3 jingles e 2 IDs?”

• “Quanta roba mi fai con 500 euro?”

• “Me ne fai un po’ di più allo stesso prezzo?”

È una mentalità che riduce l’imaging a una merce, a un prodotto a peso.

Ma l’imaging non è una commodity. È identità.

L’imaging è parte del prodotto, non un’aggiunta

L’imaging non è un abbellimento.

Non è un “extra”.

Non è un pacchetto di effetti sonori.

L’imaging è parte del prodotto radiofonico.

È ciò che si traduce in:

• regole

• clock

• impostazioni

• struttura

• ritmo

• percezione

È funzionale alla radio e al suo Formato.

È uno degli elementi che dà valore sia al brand che al prodotto, senza imaging, il formato resta teoria, con l’imaging, il formato diventa esperienza.

Così come il suono, anche gli elementi sonori sono parte dell’esperienza emozionale

L’imaging appartiene a quel mondo chiamato suono: tutto ciò che non è musica e non è parola, ma che costruisce l’atmosfera, il respiro, la personalità della stazione.

È parte dell’esperienza emozionale che la radio offre al suo pubblico.

È ciò che permette alla radio di mantenere la sua promessa universale:

• makes you feel better

• let you know better

L’imaging è il ponte tra emozione e funzione, tra identità e servizio, tra brand e ascoltatore. Un power intro, per esempio, è una geniale creazione artistica che personalizza le hit preferite dagli ascoltatori con elementi del brand della stazione, per far sì che ogni volta che l’ascoltatore ricorda e magari canta la propria canzone preferita, associ anche con il ricordo il nome della radio, o il suo logo sonoro inseriti ad arte sull’intro della song.

E allora vincono quelle radio che capiscono come l’Imaging non sia un “di più”, ma un codice narrativo, parte essenziale e vitale dell’offerta.

E questo è stato il cuore del workshop: non solo come si producono jingles, ma perché.

• Perché servono.

• Perché contano.

• Perché fanno la differenza.

Se vogliamo aumentare il valore della radio, dobbiamo iniziare anche da qui: dalla cura del suono che la rappresenta.

L’imaging non è un costo, ma è un investimento, è ciò che rende una radio riconoscibile, credibile, coerente, è ciò che trasforma un flusso in un’esperienza. Le radio di maggiore successo investono cifre considerevoli nella realizzazione della “confezione sonora” ogni anno.

Ed è ciò che, ancora una volta, abbiamo ribadito insieme a Milano: la radio del futuro non si costruisce “a peso”, ma con una visione.

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🇬🇧

Imaging isn’t an accessory — it’s the heart of the radio product, and for this reason it must be studied and designed by specialized audio designers.

At the World Radio Day in Milan, during the workshop I led on radio imaging (and beyond), we tackled a topic that in Italy is still widely underestimated.

Joining me was Milan Sweeck from Dubb, who brilliantly demonstrated how jingles and power intros are built with a modern, structured, format‑driven approach.

And that’s exactly where we started: meeting at World Radio Day in Milan to improve ourselves, to increase the value of radio.

And to do that, research isn’t enough. Data isn’t enough. Analysis isn’t enough.

We need to observe.

Observe with a wide lens, just like we used to do when we listened to RMC, RTL Luxembourg, Z100.

The broader the horizon, the greater the opportunities.

The more we look outward, the more we understand what’s missing inside. Because we need to look far; the stations that grow are those that observe the world and study global languages.

The problem in many radio stations is the approach to producing sonic elements — often acting as if we were at a “sound supermarket”:

• “How much for 3 jingles and 2 IDs?”

• “How much can you give me for 500 euros?”

• “Can you throw in a bit more for the same price?”

It’s a mindset that reduces imaging to a commodity, a product sold by weight.

But imaging is not a commodity. It’s identity.

Imaging is part of the product, not an add‑on.

Imaging is not decoration.

It’s not an “extra.”

It’s not a bundle of sound effects.

Imaging is part of the radio product.

It translates into:

• rules

• clocks

• settings

• structure

• rhythm

• perception

It serves the station and its format.

It’s one of the elements that gives value to both the brand and the product. Without imaging, a format remains theory; with imaging, the format becomes experience.

Just like sound, sonic elements are part of the emotional experience.

Imaging belongs to that world we call “sound”: everything that is not music and not speech, yet builds the atmosphere, the breath, the personality of the station.

It’s part of the emotional experience that radio offers its audience.

It’s what allows radio to keep its universal promise:

• makes you feel better

• lets you know better

Imaging is the bridge between emotion and function, between identity and service, between brand and listener. A power intro, for example, is a brilliant artistic creation that personalizes listeners’ favorite hits with the station’s brand elements, so that every time the listener remembers — or even sings — their favorite song, they also recall the station’s name or sonic logo, seamlessly woven into the intro.

And that’s why the stations that win are those that understand imaging is not a “nice‑to‑have,” but a narrative code — an essential, vital part of the offering.

This was the core of the workshop: not just how jingles are made, but why.

Why they’re needed.

Why they matter.

Why they make the difference.

If we want to increase the value of radio, we must start here as well: from the care of the sound that represents it.

Imaging is not a cost — it’s an investment. It’s what makes a station recognizable, credible, coherent. It’s what turns a flow into an experience. The most successful stations invest significant budgets every year in their “sonic packaging.”

And that’s what we reiterated once again in Milan: the radio of the future is not built “by weight,” but with vision.

👉 English version below

Secondo un articolo di Fortune scritto da Jake Angelo, una nuova ricerca di Anthropic mostra che

l’AI potrebbe sostituire molte più mansioni di quante oggi vengano effettivamente automatizzate.

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Il divario tra ciò che i modelli possono fare e ciò che realmente fanno è enorme e quando si colmerà, i lavoratori più a rischio saranno quelli altamente qualificati e ben pagati: avvocati, analisti finanziari, programmatori, ruoli amministrativi.

Secondo lo studio, l’AI è teoricamente in grado di svolgere fino al 90–94% dei compiti in settori come informatica, matematica e amministrazione, ma l’adozione reale è ancora molto bassa.

Le limitazioni tecniche, legali e la necessità di supervisione umana frenano l’automazione… per ora.

Il gruppo più esposto è sorprendentemente composto da lavoratori più anziani, con lauree avanzate e stipendi elevati.

Al contrario, circa il 30% delle professioni quelle manuali e fisiche — non è toccato dall’AI.

Gli autori parlano di un possibile “Great Recession for white-collar workers”: non si vedono ancora licenziamenti di massa, ma un rallentamento nelle assunzioni nei settori più esposti è già misurabile, soprattutto per i giovani.

E nel mondo della radio, stai già affrontando il mondo AI? Se vuoi raccontami come.

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According to a Fortune article by Jake Angelo, new research from Anthropic shows that AI could replace far more tasks than are currently being automated.

The gap between what AI models can do and what they actually do today is enormous — and once that gap closes, the workers most at risk will be highly skilled and well‑paid professionals: lawyers, financial analysts, software developers, administrative roles.

According to the study, AI is theoretically capable of performing up to 90–94% of tasks in fields like computer science, mathematics, and administration, but real‑world adoption is still very low.

Technical and legal limitations — along with the need for human oversight — are slowing down automation… for now.

The most exposed group is, surprisingly, older workers with advanced degrees and high salaries.

By contrast, about 30% of professions — mainly manual and physical jobs — remain untouched by AI.

The authors describe a potential “Great Recession for white‑collar workers”: we’re not seeing mass layoffs yet, but hiring slowdowns in the most exposed sectors are already measurable, especially for younger workers.

And in the radio world — are you already dealing with the rise of AI? If you want, tell me how.

Articolo originale: https://fortune.com/2026/03/06/ai-job-losses-report-anthropic-research-great-recession-for-white-collar-workers/?utm_source=flipboard&utm_content=topic/technology

Il regolatore afferma: «Queste notizie locali devono consistere in, o includere, notizie raccolte localmente da giornalisti fisicamente presenti nelle aree rilevanti». La maggior parte delle stazioni avrà un anno di tempo per adeguarsi.

La maggior parte delle licenze radiofoniche locali in analogico nel Regno Unito oggi trasmette programmi nazionali (o “di nazione”), come quelli di Heart, Capital o Smooth di Global, Hits Radio o Greatest Hits Radio di Bauer, o Nation Radio di Nation Broadcasting. Queste stazioni trasmettono notizie, meteo e pubblicità locali. Tuttavia, questa nuova regola potrebbe risultare onerosa per i broadcaster: Ofcom stima un costo aggiuntivo per il settore di 340.000 sterline all’anno (457.000 dollari USA).

Per un’emittente che non voglia sobbarcarsi il costo di almeno due stipendi giornalistici per ogni licenza analogica, esiste un’altra opzione: restituire semplicemente la licenza. E non è così assurdo come potrebbe sembrare. In totale, solo il 25,4% dell’ascolto radiofonico nel Regno Unito avviene su AM/FM: il resto passa attraverso DAB o online; e sebbene alcune stazioni locali abbiano una quota di ascolto analogico più alta, quella percentuale è destinata a diminuire.

Nel Regno Unito, la presenza su un multiplex DAB locale (che rappresenta il 42% di tutto l’ascolto radiofonico) non è subordinata al possesso di una licenza analogica nell’area. Quindi si può restituire la licenza analogica senza reali penalizzazioni. Molti servizi AM lo hanno già fatto — e Ofcom non ha riassegnato alcuna licenza restituita. Lo scorso anno, ad esempio, Nation Radio ha risposto alla consultazione di Ofcom sulla fornitura di notizie locali rinunciando alla propria licenza di Ceredigion, in Galles.

A poche settimane dall’annuncio del governo britannico di una revisione sulla prosecuzione delle trasmissioni FM e AM nel Paese, sembra che una regolamentazione più stringente possa accelerare lo spegnimento dell’analogico nel Regno Unito.

La normalizzazione dell’archivio audio prima del processore.

È una prassi che vedo spesso in giro per il mondo: normalizzare l’archivio audio prima di fare l’ingest.

Attenzione: non il livello di picco, bensì di Loudness!

Eh già…

Le principali emittenti radio non normalizzano i files a livello di picco in dB o dBfs, ma il livello di Loudness, misurato in LUFS.

Fare riferimento alla normalizzazione del picco audio è ormai cosa obsoleta.

E il processore audio alla fine della catena lavora molto meglio.

Ma del resto le raccomandazioni EBU ITU parlano chiaro*

Vediamo bene perché normalizzare in LUFS (e non in dBFS) prima del processore audio è meglio, direi fondamentale!

Il problema è semplice: il picco non descrive l’energia percepita di un segnale quindi non basta.

Un file può avere:

• lo stesso picco

• ma una densità sonora completamente diversa

Un brano molto compresso e uno molto dinamico possono entrambi toccare \(-1\) dBFS, ma il primo “spingerà” un processore molto più del secondo.

In pratica, il picco non rappresenta la realtà sonora che il processore deve gestire.

La loudness in LUFS misura l’energia percepita nel tempo, non solo l’ampiezza istantanea. Questo significa che:

• due segnali normalizzati allo stesso LUFS arrivano al processore con la stessa “forza percepita”; ottimo soprattutto per i processori ‘Old school’ senza riparazioni dell’audio in input (undo, declipper… e così spieghiamo una volta per tutte anche perché ‘de-masterizzare’ o ‘de-comprimere’ prima di ‘ri-processare’ aiuta il processore a lavorare meglio a chi non l’avesse ancora capito o finga di non capirlo)

• la catena di processing lavora in modo coerente, ripetibile e controllabile

• la risposta dei plug‑in diventa prevedibile, indipendentemente dalla dinamica originale del materiale

È esattamente ciò che serve in broadcast, podcasting, radio imaging, mastering e in qualsiasi contesto dove la consistenza è un valore.

Normalizzare in LUFS non è una moda: è un modo per riportare la catena audio sotto controllo.

Vuol dire:

• coerenza

• prevedibilità

• qualità costante

• workflow più veloce

Esempio: poi puoi lasciare i cursori fissi perché tanto l’intensità sonora di brano in brano o brano e station imaging sarà la stessa.

E ora è più chiaro perché il mio amico Luca Viscardi quando era direttore a rtl cazziava I fonici perché un file era alto, uno basso, pur vedendo il picco di Master Control a -1dB!

Semplice… differenza di Master, differenza di LUFS 🙂

Normalizza allo standard ITU, e ti cambia la vita: provare per credere!

So che molti (soprattutto non italiani) diranno “eh hai scoperto l’acqua calda”, ma la percentuale di chi lo fa in Italia è ancora molto bassa.

PS.: volutamente raccontato terra-terra per evitare di annoiare con tecnicismi.

Per chi più avvezzo ad approfondire, ecco le raccomandazioni EBU/ITU:

*EBU R128 S3 https://tech.ebu.ch/publications/r128s3 per la catena di produzione raccomandata a -23 LUFS in radio

Mentre per lo streaming, che non è l’argomento del post, è la S2 https://tech.ebu.ch/publications/r128s2

per le serie tv e il cinema (S4) https://tech.ebu.ch/publications/r128s4

e S1 per gli spot https://tech.ebu.ch/publications/r128s1