1. La radio è soprattutto un mezzo “fuori casa”. Il 57,7% ascolta fuori casa e un ulteriore 28% lo fa sia in casa sia fuori. Solo il 14,2% è esclusivamente domestico.

2. L’autoradio è il vero pilastro dell’ascolto radiofonico. Con 26,457 milioni di ascoltatori, coinvolge oltre tre quarti del pubblico radiofonico.

3. Il profilo maschile è più legato alla mobilità. Il 65,5% degli uomini ascolta fuori casa e l’81,3% utilizza l’autoradio.

4. Il profilo femminile è più distribuito. Le donne hanno una maggiore presenza nell’ascolto esclusivamente domestico, nell’ascolto misto casa/fuori casa e in diversi device alternativi all’autoradio.

5. La radio tradizionale non è affatto scomparsa. L’apparecchio radio conta ancora 9,649 milioni di ascoltatori, mentre lo smartphone si ferma a 4,361 milioni.

6. Il digitale cresce, ma non ha sostituito il modello storico. Smartphone, PC/tablet, smart speaker e televisione ampliano le modalità di fruizione, ma l’autoradio resta nettamente dominante.

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Un mezzo fisico in un mondo liquido

Ciò che colpisce di questi dati è la straordinaria resilienza della fisicità.

In un’epoca in cui qualsiasi contenuto multimediale sembra destinato a concentrarsi interamente sullo schermo tascabile dello smartphone, la radio dimostra che la sua forza risiede nel contesto d’uso.

L’autoradio non è semplicemente un ricevitore: è lo spazio sonoro del tempo speso in movimento, dei tragitti casa-lavoro e dei viaggi. E il fatto che l’apparecchio radiofonico tradizionale attragga ancora quasi 10 milioni di persone dimostra che il “mobile” non ha cannibalizzato l’oggetto domestico.

Cosa significa per il futuro dei creator e degli editori?

Per chi fa comunicazione, podcasting o radiofonia oggi, ignorare questi equilibri significa rischiare di progettare contenuti per un pubblico ideale anziché per quello reale.

• La centralità del viaggio: Se tre quarti del pubblico ascoltano in macchina e la mobilità guida i volumi (specialmente maschili), la progettazione dei palinsesti, dei ritmi narrativi e dei formati brevi deve tenere conto di un ascoltatore concentrato sulla guida.

• La complementarietà dei device: Smartphone e smart speaker non sono i becchini della radio, ma porte d’accesso supplementari. Chi ascolta tramite device digitali cerca spesso integrazione o nicchie specifiche, mentre il grande flusso di massa continua a passare per i canali tradizionali e per le frequenze FM/DAB in automobile.

Tra i vari aspetti c’e’ quello che sento a me vicino: la qualita’ dell’audio.
Se il contenuto ha un fruizione in mobilita’ bisogna pensare ad un suono inteleggibile, adatto all’ambiente dell’auto, cosa che non viene seguita dal 99% dei producers di oggi che si affidano a tools gratuiti invece di usare prodotti ad hoc e magari costruire un suono molto simile a quello radiofonico a cui l#Audience e’ abituata oltre che funzionale all’ambiente e alla qualita’.

Oltre la “bottega di famiglia”: il problema di scala del mercato italiano

Questi numeri ci confermano che la radio possiede una penetrazione di massa impressionante.

Eppure, osservando il panorama editoriale italiano, sorge spontanea una riflessione amara: siamo rimasti ancorati a logiche da “azienda di famiglia cresciuta”, dove il campanilismo e la difesa del proprio orticello, una gestione padronale e non manageriale prevalgono sulla visione strategica e il progetto a lungo termine.

Per troppo tempo, i grandi gruppi radiofonici italiani si sono cullati nel ruolo di “poltrone e sofà” dell’eccellenza nazionale: realtà solide, artigianali, legate a una tradizione di qualità percepita come sufficiente. Ma il mondo è cambiato. Oggi, le dimensioni del mercato e la concorrenza dei giganti digitali ci impongono un cambio di paradigma: dobbiamo smettere di agire come botteghe e iniziare a pensare come “Ikea”, giocando su terreni globali, facendo sistema e smettendola di farci una guerra fratricida sul valore del mezzo, per spostarci finalmente sulla qualità dei contenuti e delle proposte.
Soprattutto per i media nazionali. Il ruolo di bottega d’eccellenza calza bene oggi solo alle superstation regionali.

Il declino del ruolo: dall’autorevolezza alla lettura passiva

Il problema poi non è solo strutturale, ma anche editoriale.

È innegabile come il rinnovo dei formati sia rimasto imprigionato in visioni nostalgiche e miopi. L’offerta di chi dovrebbe “condurre” e instaurare un rapporto intimo e autorevole con l’ascoltatore si è atrofizzata: nella stragrande maggioranza dei casi, chi è in onda non crea più contenuti autorevoli ed esclusivi, ma è diventato un mero amplificatore, schiavo di notiziole pescate dal web e lettore acritico di messaggi WhatsApp, condito in ‘salsa di coppia’ lasciando svanire il rapporto intimo con l’ascoltatore a favore di prolisse coppie che parlano tra di loro.

Chi dovrebbe essere il volto, o la voce, di un progetto, si è trasformato in un attore lettore passivo, un semplice spartitraffico di contenuti altrui che non aggiunge valore.

Fare sistema per non diventare irrilevanti

Il tempo della “bottega” è finito; è iniziato quello dell’industria. Per adeguarsi agli stili professionali internazionali e non diventare irrilevanti, i grandi gruppi devono:

• Spostare il focus dal mezzo al contenuto: Il pubblico non è fedele all’antenna, ma alla proposta. La tecnologia deve essere solo il veicolo di un’esperienza distintiva.

• Archiviare la gestione “di famiglia”: È tempo di adottare una governance che guardi ai modelli di business globali, dove la scalabilità e la proiezione internazionale non sono opzionali, ma fondamentali.

• Valorizzare la conduzione: Il ritorno all’autorevolezza è l’unica via per contrastare l’omologazione. Serve capacità narrativa, ricerca e indipendenza editoriale, non solo capacità di leggere flussi di messaggi pre-confezionati.

*link all’analisi su Articolo FM World

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Il cruscotto come piattaforma contesa

Oggi le plance delle automobili moderne non sono più semplici cruscotti con autoradio integrate, ma veri e propri hub digitali dominati da sistemi operativi proprietari (come Android Automotive OS, Apple CarPlay di nuova generazione o i software chiusi dei grandi costruttori).

Me ne accorsi nel 2020, era Giugno, quando avevo acquistato la mia Audi Q3.
Alcuni editori mi dicevano che ero solo uno smanettone, altri che ‘e’ una radio intelligente, pirla’ (cit.).
Eppure veniva meno la mia liberta’ di scelta, non era solo questione da smanettoni, anzi, per noi smanettoni sarebbe stato facile ricercare comunque la radio preferita.
Ma l’utente normale? Non trova la radio a cui e’ abituato perche’ il cruscotto non gliela mette nella lista? Cambia radio, o spegne, passa alle App.

Cosa significa questo per la radio? Significa che il logo della tua emittente, i metadati dinamici, le copertine degli album e persino l’accesso diretto ai preferiti rischiano di passare attraverso il filtro di un’interfaccia terziaria. Il sistema operativo dell’auto decide quanto spazio dedicare all’app radiofonica, come raggrupparla rispetto ai servizi di streaming on-demand (Spotify, Apple Music, podcast nativi) e, in molti casi, raccoglie i dati di telemetria e ascolto che un tempo appartenevano esclusivamente all’editore.

E i costruttori di sistemi di entertainment?

Peggio che andar di notte: scritto personalmente agli ingegneri capi-progetti, incontrati faccia-a-faccia al radio day in Grecia. Risposta: ‘tu rappresenti solo lo 0.01% del nostro mercato, il restante e’ felice”.
Vale sempre il discorso di cui sopra.

Un’idea, gli aggregatori!

E se insegnassimo agli utenti che quando connettono il loro Car Play esistono bellissime applicazioni che scelgono la musica per noi con gente esperta? MyTuner, Replaio…
Certo la tristezza del panorama dei conduttori radiofonici italiani che sono tutto whatsapp, dibattiti in coppia, notiziole riciclate dal web non aiuta ad attirare ascoltatori, anzi e’ uno dei contributi maggiori a perderli, ma basta spostarsi oltre le Alpi e si apre un mondo: playlist azzeccatissime (altro che algoritmi spotify!), conduttore solitario in onda che ti apre il mondo sulle sensazioni della canzone che stai ascoltando, ti racconta cose legate ad essa… insomma la musica te la fa vivere e non solo ascoltare generata da freddo algoritmo!

O le App personalizzate

Poi ci sono le App delle stazioni piu’ quotate come il Global Player del gruppo britannico Global che integra la selezione di radio live ad un bellissimo servizio di music on demand con le Playlist, la vera alternativa umana ai servizi di streaming da algoritmo.

Promuovere l’opportunita’

Basterebbe una semplice promozione: “scarica MyTuner e continua ad ascoltare tutte le radio che vuoi come sempre.”
MyTuner e’ anche molto semplice, e oltre a consentirti di salvare i preferiti, fa anche una scrematura mettendo in evidenza le radio principali della zona dove ti trovi; un po’ come il caro FM.
Ed evita di avere 100 Applicazioni per ogni stazione, complicando le cose.

I dati del mercato: Cresce il digitale, diminuisce il controllo

I report di settore mostrano che il DAB+ ha superato il 60% della quota d’ascolto in auto in mercati chiave come il Regno Unito, e l’Italia sta seguendo un trend di forte digitalizzazione del parco circolante. Gli ascoltatori amano la radio in auto: resta il mezzo principale di fruizione durante gli spostamenti quotidiani.

Tuttavia, c’è un paradosso evidente:

1. L’ascolto c’è ed è resiliente: La radio non ha perso il suo pubblico in mobilità.

2. L’interfaccia si frammenta: La facilità con cui un utente passa dalla sintonizzazione lineare (FM/DAB+) a un aggregatore di streaming in-dash sta erodendo la fedeltà al brand. Se sullo schermo del SUV l’icona della radio locale è confusa tra decine di app di streaming, la percezione del valore del marchio si appiattisce.

La contromossa per i broadcaster: Oltre la semplice trasmissione

Se i costruttori d’auto e i giganti del software vogliono intermediare il rapporto con il nostro pubblico, la risposta dei direttori tecnici e dei programmatori non può essere difensiva.

La sfida dei prossimi mesi si gioca su tre fronti:

• Standardizzazione dei metadati visivi: Non basta più trasmettere il testo RDS o i Service Component Label di base; serve un arricchimento visivo e interattivo (immagini ad alta definizione, loghi vettoriali, pulsanti di interazione coerenti) che rispetti le linee guida delle interfacce auto senza sfigurare accanto ai giganti dello streaming.

• Aggressività nei sistemi ibridi (RadioDNS): Sfruttare le tecnologie ibride che uniscono il segnale broadcast (DAB+/FM) all’IP, permettendo all’utente di passare fluidamente dalla ricezione etere al flusso streaming dell’emittente quando il segnale si indebolisce, mantenendo intatta l’identità dell’app a bordo.

• Presidio del dato: Lavorare affinché le associazioni di categoria e i consorzi di emittenti dialoghino direttamente con i produttori automobilistici (OEM) per evitare che i pulsanti fisici o le scorciatoie per la radio vengano relegati a sotto-menu nascosti.

Conclusioni: Difendere il nostro spazio

La radio ha vinto la scommessa tecnologica della transizione digitale in auto, dimostrandosi insostituibile per tempestività e compagnia. Ma vincere la battaglia della trasmissione non serve a nulla se perdiamo la battaglia dell’accesso.

Il cruscotto è il territorio più prezioso che abbiamo.

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🇬🇧 ENGLISH Version

The Dashboard as a Contested Platform

Today, the dashboards of modern cars are no longer simple consoles with built-in car radios, but true digital hubs dominated by proprietary operating systems (such as Android Automotive OS, next-generation Apple CarPlay, or the closed software of major manufacturers).

I first noticed this back in June 2020, when I bought my Audi Q3. Some publishers told me I was just a tech geek, others that “it’s a smart radio, you idiot” (quote). Yet my freedom of choice was being compromised; it wasn’t just a geek’s issue, in fact, for geeks like us, it would have been easy to search for our favorite radio anyway. But the normal user? They can’t find the radio they’re used to because the dashboard doesn’t put it in the list? They switch radio, or turn it off, and move to Apps.

What does this mean for radio? It means that your station’s logo, dynamic metadata, album art, and even direct access to favorites risk passing through the filter of a third-party interface. The car’s operating system decides how much space to allocate to the radio app, how to group it relative to on-demand streaming services (Spotify, Apple Music, native podcasts), and in many cases, collects the telemetry and listening data that once belonged exclusively to the broadcaster.

And what about the infotainment system manufacturers?

Even worse: I personally wrote to the chief project engineers, meeting them face-to-face at the Radio Day in Greece. Their response: “You represent only 0.01% of our market, the rest are happy.” The point mentioned above still applies.

An idea: aggregators!

What if we taught users that when they connect their CarPlay, there are wonderful applications that choose music for us curated by experienced people? MyTuner, Replaio... Of course, the dull landscape of Italian radio hosts who are only all WhatsApp, couple debates, and recycled web news, does not help attract listeners, but you just have to move across the Alps and a whole world opens up: spot-on playlists (unlike Spotify algorithms!), a solitary host on air who opens up a world of feelings about the song you are listening to, telling you stories related to it... in short, making you live the music rather than just listening to it generated by a cold algorithm!

Or Personalized Apps

Then there are the apps of the most prominent stations, like Global Player from the British group Global, which integrates live radio selection with a wonderful music-on-demand service featuring playlists, the true human alternative to algorithmic streaming services.

Promoting the Opportunity

A simple promotion would suffice: “Download MyTuner and keep listening to all the radio stations you want, just like always.” MyTuner is also very simple, and besides letting you save favorites, it also filters and highlights the main radio stations of the area you are currently in; a bit like the good old FM. And it avoids having 100 applications for every single station, which only complicates things.

Market Data: Digital Grows, Control Decreases

Industry reports show that DAB+ has surpassed 60% of in-car listening share in key markets like the UK, and Italy is following a strong trend of fleet digitalization. Listeners love car radio: it remains the primary medium of consumption during daily commutes. However, an obvious paradox exists:

1. Listening is present and resilient: Radio has not lost its audience on the move.

2. The interface is fragmenting: The ease with which a user switches from linear tuning (FM/DAB+) to an in-dash streaming aggregator is eroding brand loyalty. If the local radio icon on the SUV screen is lost among dozens of streaming apps, the perceived value of the brand flattens.

The Countermove for Broadcasters: Beyond Simple Transmission

If car manufacturers and software giants want to intermediate the relationship with our audience, the response from technical directors and programmers cannot be defensive. The challenge of the coming months plays out on three fronts:

• Standardization of Visual Metadata: It is no longer enough to transmit basic RDS text or Service Component Label data; visual and high-definition interactive enrichment (high-definition images, vector logos, coherent interaction buttons) is needed to comply with car interface guidelines without looking out of place next to streaming giants.

• Aggressiveness in Hybrid Systems (RadioDNS): Leveraging hybrid technologies that combine broadcast signals (DAB+/FM) with IP, allowing the user to seamlessly switch from terrestrial reception to the station’s streaming feed when the signal weakens, preserving the identity of the in-dash app.

• Data Ownership: Working to ensure that trade associations and broadcaster consortia dialogue directly with automotive manufacturers (OEMs) to prevent physical buttons or radio shortcuts from being relegated to hidden sub-menus.

Conclusions:

Defending Our Space Radio has won the technological bet of digital transition in the car, proving irreplaceable for timeliness and companionship. But winning the transmission battle is useless if we lose the access battle.

The dashboard is the most precious territory we have.

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Nel panorama della radiodiffusione odierna, l’evoluzione tecnologica dei sistemi di ingest e playout ha compiuto passi da gigante.
Eppure, osservando da vicino le abitudini operative di molte emittenti e di diversi produttori di software di automazione, soprattutto nel contesto produttivo italiano, si nota una certa resistenza al cambiamento: capita ancora frequentemente che l’accettazione e la preparazione dei brani vengano delegate alla misurazione tradizionale del picco in decibel (dB).

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Questo approccio storico contrasta nettamente con la realtà dei software internazionali più evoluti, che integrano stabilmente la normalizzazione basata sul loudness (LUFS) secondo la raccomandazione EBU R128.

Per comprendere il valore di questo standard, analizziamo i dati di un tipico report di analisi su un pool di tracce eterogenee, tutte normalizzate a -23 LUFS rispetto ai master originali.

Dinamica e Picco: Perché i File Più Compressi Richiedono Più Attenuazione

Come si può osservare dai dati, e questo costituisce il vero punto nodale della questione, per raggiungere lo stesso valore di loudness, ovvero la medesima intensità di audio percepito, i file audio più compressi devono subire un’attenuazione del livello di picco notevolmente superiore rispetto a un file meno compresso.

Questo principio fisico spiega chiaramente perché nel contesto attuale non si possa più fare affidamento sulla normalizzazione basata unicamente sul picco: un livello di -1 dBTP su un brano dinamico e arioso come Black Velvet di Alannah Myles non suona affatto uguale a un -1 dBTP su un brano fortemente compresso.
Più in dettaglio, un brano arioso e ricco di dinamica può permettersi un picco più elevato proprio perché la sua energia è distribuita in modo naturale, consentendogli di raggiungere i -23 LUFS di percezione sonora senza risultare affaticante.
Al contrario, un brano contemporaneo caratterizzato da una forte compressione possiede una densità energetica molto elevata; di conseguenza, per pareggiare la percezione sonora di un brano dinamico, il sistema deve necessariamente ridurne in modo sensibile il livello di picco.

La Gestione delle Transizioni in Onda: Il Caso dei Jingles e della Produzione

Questa dinamica tecnica assume un’importanza cruciale quando si gestisce la scaletta di una stazione radiofonica che deve alternare brani musicali degli anni ‘80 a produzioni contemporanee, oppure inserire in palinsesto i jingles realizzati da studi di produzione esterni. Spesso, in questi studi, il mastering viene utilizzato impropriamente come una sorta di “colla” (glue) per rimediare a mix imperfetti o per amalgamare i suoni in modo forzato, anziché puntare su un bilanciamento accurato in fase di mix.

Se non si adotta una rigorosa normalizzazione in LUFS in fase di ingest, la transizione in onda tra un brano dal respiro ampio e un jingle o un brano iper-compresso rischia di generare sbalzi percettivi notevoli. Al contrario, l’applicazione corretta della raccomandazione EBU R128 garantisce benefici straordinari sia sulla qualità complessiva del segnale trasmesso, sia sull’operatività quotidiana in regia.

Altro errore comune?

Normalizzare a -23 LUFS e poi alzare il livello su mixer perche’ i dB ‘non arrivano allo zero’ o ‘il livello e’ troppo basso’.
Il che equivale a modifcare il livello di Loudness, peggio ancora se si ‘segue’ il meter da canzone a canzone, variando la differenza di True Peak.
La soluzione? Il meter Loudness sulla consolle.

Conclusioni

Abbandonare gradualmente i vecchi parametri legati esclusivamente al picco in favore della misurazione in LUFS non rappresenta soltanto un aggiornamento tecnico, ma una scelta di maturità professionale. Permette di far convivere con eleganza epoche musicali differenti e stili di produzione eterogenei, offrendo agli ascoltatori un'esperienza d'ascolto fluida e di altissima qualità.

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🇬🇧English

Beyond Peak: LUFS Normalization and EBU R128 in Modern Radio Playout

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In today’s broadcasting landscape, technological advancements in ingest and playout systems have made giant leaps forward. Yet, looking closely at the operational habits of many broadcasters and various automation software developers—especially in the domestic context—a certain resistance to change is noticeable: it still frequently happens that the acceptance and preparation of tracks are delegated to traditional peak measurement in decibels (dB).

This historical approach contrasts sharply with the reality of more advanced international software (such as Zetta or PlayoutONE), which stably integrate loudness-based normalization (LUFS) according to the EBU R128 recommendation. To understand the value of this standard, let us analyze the data from a typical analysis report on a pool of heterogeneous tracks, all normalized to -23 LUFS relative to their original masters.

Dynamics and Peak: Why Highly Compressed Files Require More Attenuation

As can be observed from the data—and this constitutes the very core of the matter—to achieve the same loudness value, meaning the same perceived audio intensity, highly compressed audio files must undergo significantly greater peak level attenuation compared to a less compressed file.

This physical principle clearly explains why in the current context one can no longer rely solely on peak-based normalization: a level of -1 dBTP on a dynamic and airy track like Black Velvet by Alannah Myles does not sound at all the same as -1 dBTP on a heavily compressed track. More specifically, an airy track rich in dynamics can afford a higher peak precisely because its energy is distributed naturally, allowing it to reach -23 LUFS of perceived sound without becoming fatiguing. Conversely, a contemporary track characterized by strong compression possesses very high energy density; consequently, to match the perceived sound of a dynamic track, the system must necessarily reduce its peak level significantly.

Managing On-Air Transitions: The Case of Jingles and Production

This technical dynamic assumes crucial importance when managing the playlist of a radio station that must alternate 1980s music with contemporary productions, or insert jingles produced by external production studios into the schedule. Often in these studios, mastering is improperly used as a sort of “glue” to remedy imperfect mixes or forcefully amalgamate sounds, rather than aiming for an accurate balance during the mixing stage.

If rigorous LUFS normalization is not adopted during ingest, the on-air transition between an open, breathing track and a jingle or hyper-compressed track risks generating noticeable perceptual jumps. Conversely, the correct application of the EBU R128 recommendation guarantees extraordinary benefits both for the overall quality of the transmitted signal and for daily operations in the control room.

Another Common Mistake?

Normalizing to -23 LUFS and then boosting the level on the mixing console because the dB levels “don’t reach zero” or “the level is too low.”

This is equivalent to altering the Loudness level, and it is even worse if one “follows” the peak meter from song to song, constantly altering the True Peak difference.

The solution? A Loudness meter right on the console.

Conclusions

Gradually abandoning traditional parameters linked exclusively to peak measurement in favor of LUFS metering represents not just a technical upgrade, but a choice of professional maturity. It allows different musical eras and heterogeneous production styles to coexist with elegance, offering listeners a fluid and exceptionally high-quality listening experience.

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I’m relaunching a very intersting post I’ve found last weeks.

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One of the questions I get asked most as a consultant and morning show coach is, “Why doesn’t the audience know what’s going on at my station?” My answer: you’re not running enough promos promoting your contest, your morning show, or your brand depth. Secondarily, the promos you are running don’t stand out.

The brilliant Pierre Bouvard of Cumulus recently wrote about how many spots advertisers need to run for a successful campaign. He outlined how to compute audience turnover. I’m going to take it one step further and give you the actual numbers for several different stations in different formats — but I’m going to keep the call letters out to protect the guilty. All of these scenarios are based on total week, 6am–12 midnight, and what Pierre would call “high impact” — reaching two-thirds of the station’s audience an average of three times. In my opinion, that is the absolute minimum needed for a successful morning show launch or major promotion. Keep in mind, these promos would need to run equally throughout the day to achieve results, and we are not counting the overnight show. Yes, it could be a mix of recorded and live. And this is to promote the one big thing on the station.

The Numbers by Format

Let’s start with Hot AC. These numbers are based on the general format target of women 25–54.

• A hugely successful top-5 market Hot AC: 115 promos per week

• A struggling top-50 market Hot AC: 151 promos per week

Top 40/CHR is similar. I did the math on the target audience of women 18–49 for this format.

• A household-name top-5 market CHR: 111 promos per week

• A top-40 market CHR that has seen better days: 167 promos per week

Moving to Classic Hits, these numbers are based on the format target of adults 25–54.

• A successful top-5 market Classic Hits: 127 promos per week

• A struggling top-10 market Classic Hits: 164 promos per week

Finally, a format with extremely passionate P-1s and much less turnover than music radio — the format that actually founded Barrett Media — sports.

A very successful top-10 market sports station: 55 promos per week

A struggling top-10 market sports station: 86 promos per week

Music programmers’ heads are probably spinning after reading those numbers. But when you give a promotion four promos a day, nobody except you knows you’re running one.

What Your Promos Actually Say Matters

Now, let’s also visit the content of the promos. If you air recorded promos right out of a song — or, in the case of spoken word, right out of strong content — does that recorded promo grab the audience in the first four seconds? If your recorded promos begin with “WXXX is your station in Chicago for summertime fun,” forget it. I know you want your station name up front, but how about opening with “Win Free Tickets” or “Win Money”?

Consider the most effective commercials on your station. They are generally live endorsements by trusted talent. So, are all your promos done by Mister Big Voice, or do you have meaningful talent selling your latest promotion? This is also the perfect vehicle for talent cross-promotion. For example, if your afternoon host talks about how funny the morning show was at 7:20 — and says it almost caused a wreck because they were laughing so hard taking the kids to school — that gets attention. It is, in effect, an endorsement of another show on your station.

Talent doing live promos — or even recording them — gives you a pass, because the audience doesn’t perceive them as commercials. However, you can bet that any recorded promo by Mister Big Voice is thought of as a spot. The audience may know it’s a commercial for your station, but it’s a commercial nonetheless.

The Bottom Line: Frequency Sells

I’m going to once again mention my favorite Scott Shannon quote: “The greatest radio stations are built on a typewriter” — updated today to an iPad. You need better promos, and you need to run them more often. Every programmer needs to internalize the basic rule from your sales department: in radio, frequency sells.

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Versione Italiana:

Una delle domande che mi sento rivolgere più spesso come consulente e coach di morning show è: “Perché il pubblico non sa cosa succede sulla mia emittente?”. La mia risposta è: non state mandando in onda abbastanza promo per pubblicizzare i vostri concorsi, il vostro morning show o l’identità del vostro marchio. In secondo luogo, i promo che trasmettete non si distinguono.

Il geniale Pierre Bouvard di Cumulus ha recentemente scritto quanti spot debbano pianificare gli inserzionisti per garantire il successo di una campagna, illustrando come calcolare il turnover dell’ascolto. Io voglio fare un passo in più e fornirvi i numeri reali per diverse stazioni radio di vari formati — omettendo le sigle identificative per “tutelare i colpevoli”. Tutti questi scenari si basano sull’intera settimana, dalle 6:00 alle 24:00, e su quello che Pierre definirebbe un “alto impatto”: raggiungere i due terzi del pubblico della stazione per una media di tre volte. A mio avviso, questo è il minimo indispensabile per il lancio di un morning show o per una grande promozione di successo. Tenete presente che, per ottenere risultati, questi promo dovrebbero essere distribuiti equamente nell’arco della giornata (senza contare le ore notturne). Sì, potrebbe trattarsi di un mix di elementi registrati e interventi in diretta. E tutto questo serve a promuovere il grande evento della stazione.

I numeri per formato

Iniziamo con l’Hot AC. Questi numeri si basano sul target generale del formato: donne tra i 25 e i 54 anni.

• Un’emittente Hot AC di enorme successo tra i primi 5 mercati: 115 promo a settimana

• Un’emittente Hot AC in difficoltà tra i primi 50 mercati: 151 promo a settimana

Il formato Top 40/CHR è simile. Ho fatto i calcoli sul target di riferimento (donne 18-49).

• Una CHR famosissima tra i primi 5 mercati: 111 promo a settimana

• Una CHR tra i primi 40 mercati che ha visto tempi migliori: 167 promo a settimana

Passando al Classic Hits, i numeri si basano sul target di adulti 25-54 anni.

• Una Classic Hits di successo tra i primi 5 mercati: 127 promo a settimana

• Una Classic Hits in difficoltà tra i primi 10 mercati: 164 promo a settimana

Infine, un formato con ascoltatori fidelizzati (P-1) ed estremamente appassionati, oltre a un turnover molto più basso rispetto alla radio musicale — il formato da cui è nata Barrett Media: lo Sport.

• Una radio sportiva di grande successo tra i primi 10 mercati: 55 promo a settimana

• Una radio sportiva in difficoltà tra i primi 10 mercati: 86 promo a settimana

Ai programmatori musicali girerà probabilmente la testa nel leggere queste cifre. Ma quando a una promozione dedicate appena quattro promo al giorno, a parte voi, non sa nessuno che la state facendo.

Il contenuto dei promo conta davvero

Parliamo ora del contenuto dei promo. Se mandate in onda un promo registrato subito dopo una canzone — o, nel caso delle radio parlamentari/parlate, subito dopo un contenuto forte — quel promo riesce a catturare l’attenzione del pubblico nei primi quattro secondi? Se i vostri promo registrati iniziano con “WXXX è la tua radio a Chicago per il divertimento estivo”, lasciate perdere. So che volete mettere il nome della stazione in primo piano, ma che ne dite di aprire con “Vinci biglietti omaggio” o “Vinci denaro”?

Pensate agli spot pubblicitari più efficaci sulla vostra emittente. Di solito sono le raccomandazioni live fatte dai conduttori più amati (live endorsement). Quindi, i vostri promo sono affidati tutti a “Mister Voce Profonda” o avete speaker influenti che promuovono le vostre iniziative? Questo è anche il veicolo perfetto per la promozione incrociata tra conduttori (cross-promotion). Ad esempio, se lo speaker del pomeriggio racconta di quanto fosse divertente il morning show delle 7:20 — dicendo che rischiava di fare un incidente dalle risate mentre accompagnava i figli a scuola — questo cattura l’attenzione. È, a tutti gli effetti, uno sponsor a favore di un altro programma della stessa radio.

Gli speaker che fanno promo in diretta — o che li registrano direttamente — hanno una marcia in più, perché il pubblico non li percepisce come pubblicità. Al contrario, potete scommettere che qualsiasi promo registrato dalla classica “voce ufficiale” viene percepito come un semplice spot. Il pubblico sa che è una promozione della radio, ma lo considera comunque pubblicità.

In conclusione: è la frequenza che vende

Voglio citare ancora una volta la mia frase preferita di Scott Shannon: “Le migliori stazioni radio si costruiscono con una macchina da scrivere” — oggi aggiornata con un iPad. Avete bisogno di promo fatti meglio e dovete trasmetterli più spesso. Ogni programmatore deve assimilare la regola base del reparto commerciale: in radio, è la frequenza che vende.

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🇮🇹in italiano più sotto

To build an auto brand one must target current brand owners as well as those who drive the competition.

S&P Mobility reports Tesla boasts an exceptional automotive brand loyalty rate of 61.1%, meaning over 6 in 10 owners return to the Tesla brand for their next vehicle purchase. This purchase loyalty outpaces long-established automakers such as Subaru (60.5%), Toyota (59.9%), and the U.S. industry average (52.7%).

Given Tesla’s strong loyalty levels, it’s crucial for Tesla media plans to reach current Tesla owners

Just released data from Edison’s “Share of Ear,” the gold standard audio time use study, reveals the most listened to audio platforms among Tesla drivers and competitive brands.

Edison Research’s quarterly “Share of Ear” study is the authoritative examination of time spent with audio in America

Over the last eleven years, Edison Research has surveyed 4,000 Americans annually to measure daily reach and time spent for all forms of audio. These findings are from the just released Q1 2026 report.

“Share of Ear” captures audio use among auto brands’ drivers. Edison asks respondents, “What is the model year and brand of your primary car or truck – that is, the one vehicle you spend the most time driving or riding as a passenger?”

In the car, Tesla drivers listen most to AM/FM radio with a 67% audience share

Tesla drivers devote 67% of all their in-car ad-supported audio time spent to AM/FM radio. 

AM/FM radio is the exclusive way to reach Tesla drivers during their commute and while they’re running errands. U.S. government studies report most commutes are a solo affair. In-car, Tesla drivers cannot be reached by social media, online video, or any digital platform.

What are the audio habits of Tesla drivers in all locations (home, work, vehicle, and some other place)?

In all locations, Tesla drivers listen most to AM/FM radio with a 47% ad-supported share

Edison examined audience shares among Tesla drivers to ad-supported audio platforms at home, in the car, at work, and some other place. In all locations, Tesla drivers devote 47% of all their ad-supported audio time spent to AM/FM radio.

Following AM/FM radio, podcasts have a 36% share among Tesla drivers across all listening locations. Among Tesla drivers, music streaming platforms have modest shares: ad-supported Spotify (3%) and ad-supported Pandora (8%). Among Tesla drivers, ad-supported SiriusXM has a 5% share.  

How can Tesla dealers reach drivers of competitive brands? Via AM/FM radio’s 83% share of in-car ad-supported audio!

While half of U.S. new vehicle purchases come from former owners, the other half come from competitor owners. With an 83% share of total in-car ad-supported audio, AM/FM radio is the perfect way to reach and conquest Tesla auto brand competitive drivers.

Among all drivers, AM/FM radio has an eye-popping 83% share of in-car ad-supported audio. When it comes to reaching other brand owners, all roads lead to AM/FM radio!

Here are the in-car ad-supported shares by auto brand drivers:

To conquest drivers of competitive brands, AM/FM radio is ideal with its dominant 64% share of ad-supported audio in all locations

MRI-Simmons: AM/FM radio leads most media in auto purchase intention across a wide array of vehicle types

According to the MRI-Simmons Winter 2026 auto purchase intention data, heavy AM/FM radio listeners lead most other media in being “very likely” to be in the market for a variety of vehicle types over the next year.

• AM/FM radio listeners are 6% more likely than the U.S. average to be “very likely” to make a new auto purchase in the next year. AM/FM radio is tied for second among six media.

• AM/FM radio is the number one media in purchase intention for trucks, SUVs, and hybrids/EVs. In all cases, AM/FM radio listeners are much more likely to be in market compared to the general population.

• When it comes to a used/pre-owned purchase, AM/FM ranks second in behind social media. AM/FM radio listeners are 10% more likely than the average to be in market for a used/pre-owned vehicle.

• AM/FM radio listeners are 15% more likely to purchase a new four-door sedan in the next year. AM/FM radio ranks second in purchase intent right behind the heavy social media audience.

• AM/FM radio listeners are 17% more likely to be in the market for mini-vans versus the general population.

Key findings:

• Tesla’s brand loyalty rate of 61% means 6 out of 10 Tesla customers returning to the market purchase the Tesla brand again. It’s crucial for Tesla media plans to reach current Tesla owners.

• Reach future Tesla buyers on the medium Tesla drivers listen to most: AM/FM radio. Tesla drivers spend 67% of all in-car ad-supported audio time spent with AM/FM radio.

• In all locations, Tesla drivers devote 47% of all their ad-supported audio time spent to AM/FM radio.

• Tesla can conquest drivers from competitive brands with AM/FM radio, which has an 83% share of all in-car ad-supported audio.

• MRI-Simmons: AM/FM radio leads most media in auto purchase intention across a wide array of vehicle types.

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original post here

I dati dell’ultima indagine di Edison Research confermano il legame stretto fra radio e auto, anche per i modelli di alta gamma, e l’efficacia del mezzo radiofonico per le campagne pubblicitarie.

Tesla è un marchio che genera una brand loyalty molto alta per il settore automotive, 61,1%, ben sopra la media del mercato USA (52,7%, secondo un’analisi di S&P Global Mobility). Ma c’è un’altra percentuale di particolare interesse: il 67% del tempo dedicato dai guidatori di una Tesla all’audio in auto (in-car, ad supported) è destinato all’ascolto della radio AM/FM. I dati sono estratti dall’ultimo Share of Ear (primo quadrimestre 2026), lo studio di Edison Research che monitora con regolarità i consumi audio negli USA (reach e tempo speso), interpellando oltre 4.000 intervistati ogni anno. Dati che devono far riflettere sul ruolo importante che la radio continua a svolgere in termini di diffusione capillare, reach pubblicitaria e interesse degli utenti, anche su modelli di alta gamma.

Secondo la ricerca, la radio AM/FM rappresenta di fatto l’unico mezzo pubblicitario per raggiungere i conducenti di Tesla durante gli spostamenti casa-lavoro (spesso in solitario) o mentre sbrigano commissioni. L’unico altro mezzo a doppia cifra, ma a distanza, è il podcast con il 17% del tempo d’ascolto, seguito dalla musica in streaming.

Dall’indagine risulta inoltre che le abitudini di ascolto dei conducenti di Tesla premiano la radio anche in altri contesti (casa, lavoro e altri luoghi): è il mezzo leader, con il 47% del tempo dedicato all’ascolto audio, con una performance migliore rispetto al podcast (36%) e risultati simili rispetto alla musica in streaming.

Il primato della radio in auto non riguarda solo Tesla: la ricerca fotografa lo stesso comportamento su tutti i principali marchi del mercato USA. Anche i conducenti Stellantis (il gruppo che riunisce Jeep, Ram, Dodge, Chrysler, Alfa Romeo, Maserati e Fiat) confermano la centralità dell’AM/FM, che assorbe il 60% del tempo di ascolto audio in auto — la quota più bassa fra i grandi gruppi generalisti analizzati, ma pur sempre nettamente maggioritaria, complice probabilmente il maggior peso dei podcast (22%) tra i brand premium del gruppo.

Allargando lo sguardo all’intero settore automotive, secondo l’analisi di S&P Global Mobility dell’inverno 2026la fedeltà di marchio nel mercato USA si attesta al 52,7%: poco più della metà degli acquisti di veicoli nuovi, cioè, viene effettuata sullo stesso marchio già posseduto dal cliente. Un dato che, letto insieme ai risultati di Share of Ear, suggerisce come la radio AM/FM — con una media dell’83% del tempo di ascolto in auto dedicato su tutti i marchi di veicoli — resti lo strumento pubblicitario più efficiente anche per intercettare i conducenti fedeli alla concorrenza.

Un’ultima evidenza riguarda le intenzioni di acquisto: secondo i dati di S&P Global Mobility , gli ascoltatori abituali di radio AM/FM hanno una probabilità superiore alla media statunitense di dichiararsi “molto probabili” acquirenti di una nuova auto nel prossimo anno — un segnale ulteriore di quanto la radio resti un mezzo capace non solo di intercettare, ma anche di orientare le decisioni d’acquisto degli automobilisti.

Un tema, questo, che non riguarda solo gli Stati Uniti. Anche in Italia sono 35 milioni le persone che ascoltano la radio ogni giorno, di cui 26 milioni proprio in automobile. Confindustria Radio Televisioni ha lanciato la campagna #RadioInAuto per richiamare l’attenzione di pubblico, istituzioni e industria automobilistica sulla necessità di garantire la piena accessibilità della radio in tutti i modelli di auto. L’associazione chiede che la radio analogica e digitale resti facilmente individuabile e fruibile con un solo click, senza essere relegata in menu complessi o sacrificata da soluzioni basate esclusivamente sulla connessione IP: un’evoluzione dei sistemi di infotainment che rischia di compromettere l’accessibilità del mezzo e il suo storico rapporto di fiducia con gli ascoltatori. Sul tema si veda anche un’altra ricerca recente.

Articolo tratto da qui e qui

Frank Foti, Omnia Audio 
June, 2026 

In today’s world, over-the-air broadcast radio is fighting for every single listener available! Given the plethora of choices via streaming, personal devices, and alternative radio services, holding the attention of a listener is more than just exciting formatics. It also has to do with the subtleties of what may cause a listener to remain locked in, or tune away.

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Aside from the station format, and how it’s executed, the other key element is how the station sounds – technically. Here’s where audio processing plays a huge role. The old adage of ‘crank it up and rip the knob off’ might be a great slogan, but creating a great sounding station – technically – is more than just revving up the processing with a goal of being the loudest big boy on the dial. Yes, it is possible to sound competitively loud, and possess good audio quality with modern processors, but there’s even more to it. There is an annoyance factor that can occur with processing, and this essay will detail why that happens, and provide a new solution.

Annoyance Factors

In the technical domain of signal processing there are a number of factors which govern how the resulting audio sounds. The two key items are both rooted in forms of distortion.  

Harmonic distortion (THD) is typically the sound one hears where the audio appears ‘broken’. In an audio processor THD is affected by the level of clipping which is employed for competitive loudness. Too much clipping may help burn a hole on the dial, but the quality will usually suffer. (Yes, there are distortion controlling mechanisms in many processors, but as with anything, there IS a limit.)

Intermodulation distortion (IMD) is created when a dominant portion of the audio spectrum will affect another portion through modulation. A simple example of this is the basic audio compressor. When set for very fast attack/release, the compressor will modulate the resulting audio to the point where it will sound busy, or as some may say ‘bizzy.’ This occurs because the control signal of the compressor is operating at, or near the frequency of the audio spectrum, and it is adjusting the audio so fast, the ear perceives it in a very annoying fashion.

This annoyance can occur, if the time constants in compressors or limiters are set incorrectly. The result can take on the appearance of the audio ‘breathing’ due to heavy depth of compression coupled with very fast time constants. I know there are some folks in our industry who actually like or prefer this signature, but research has shown this affected sound to turn off most listeners, especially women! Yes, processing set in this manner will generate extremely dense audio. Yet, when the brain perceives a dense signal, it reacts negatively and subtly begins to tune out. In my own listening, I refer to this as ‘constipated audio.’

Clipper Systems

While discussion, thus far, has focused on the dynamic aspects of processing, the critical mass occurs in the final section, which is usually referred to as the final limiter, or clipper. Digital signal processing techniques have improved the final limiting function ‘many fold’ over their analog counterparts, but there still are limitations to what these systems are capable of…until now!

As mentioned prior, we have mechanisms that can monitor, control, suppress, and filter THD. These functions help enable competitive loudness and minimize the distortion side-effects. While very much a benefit, they do nothing to reduce any annoyance due to clipper induced IMD.

The challenge presented here occurs when clipper action on various parts of the spectrum, pushes the rest of the audio in and out of the clipper system, whether it needed to be clipped (truncated) or not. Since all of this activity is happening at the rate of the audio signal, meaning there is an instant attack, and instant release function, the generated IMD can build up quite significantly. In our broadcast systems, there is usually an emphasis network employed, which boosts the high frequency range. This further pushes the presence and treble frequencies into heaving limiting, almost at all times. The result can be very dense, and annoying to the ear.

Enter the FFT

Over the years, processing algorithms have evolved using the Fast Fourier Transform (FFT for short). We refer to this as managing a signal in the frequency domain, as compared to the time domain. Time domain signals are continuous waves – in time, as would be observed on an oscilloscope, where frequency domain signals are independent of time, and managed within frequency bins. Through creative design, it has been possible to further reduce THD in the broadcast clipper system. Yet, the problem of IMD annoyance remains, and with the FFT, it can even get worse! How so, then read on!!

One benefit the FFT offers is the ability to manage the frequency spectrum in a very finite manner. The FFT is a frequency domain function that utilizes many ‘bins’ to store and manage audio information. These bins are set in the FFT function, as a power of two. So, for example, we can create an FFT function that has 1024 bins, which is 2 to the power of 10. Given the audio spectrum of 15kHz for FM-Stereo, and with a sampling rate of 192kHz, we will divide the sampling rate by 1024. In this example 192kHz divided by 1024 results in each bin being 187.5 Hz wide. As you can see, this is very precise and offers a lot of flexibility upon what can be managed and adjusted over the range of the entire audio spectrum. It also provides exceptional filtering capabilities too. So far, so good…Not so fast!!

As with most aspects in life, there is no free lunch. Same applies here. While the FFT provides great filtering, and THD management, it suffers with regards to how transparent audio transients are handled. By example, let’s take a well recorded audio track from Steely Dan, the song ‘Babylon Sister.’ It opens with four very distinct tom-tom drum hits, which contain great transients. When passed through the FFT clipper system, the drum transients get lost and/or muffled, when in reality, they need to remain transparent. This occurs due to the nature of the FFT transform, and without going into extremely deep technical jargon, as to why, it is not possible to preserve the sharp transient response. This is known as ‘transient smearing,’ and it also affects IMD perception as well. While the FFT provides very low THD, the level of IMD is still in the subtle annoying range.

A Fresh Approach 

While extensive research was conducted on FFT methods, it was not possible to eliminate the loss of transients (transient distortion for short), as well as the aforementioned IMD from the FFT based clipper system. After considering the main benefit of the FFT, which is the precise filtering via the ‘bins’, a new approach was devised in the time domain. This replicated the benefits of FFT filtering, along with new algorithmic elements to suppress clipper induced IMD. An entire new system evolved which provides excellent THD…AND…IMD suppression…AND…preserves transient transparency! The results yields an open, clean, and competitively loud signature, without transient distortion. In simple terms, the audio is easier to listen to, and very natural sounding! This will enable longer listening, as the subtle reason to tune away has been removed!

The introduction of Omnia.XII employs this new clipping system, and it also has added new algorithms to the dynamic compressor and limiter sections, which monitor and reduce IMD as well. The end result is a fresh approach to audio processing that delivers high quality, competitive loudness, without the sonic annoyances that other systems create. Now, this raises the bar with regards to improving listener retention, which will result in improved time spent listening (TSL), as we have removed tune out annoyances.

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🇮🇹 Version

Elaborazione Audio e Sottigliezze della Fidelizzazione dell’Ascoltatore

Frank Foti, Omnia Audio
Giugno 2026

Nel mondo di oggi, la radio broadcast over‑the‑air sta lottando per ogni singolo ascoltatore disponibile! Data la moltitudine di scelte tra streaming, dispositivi personali e servizi radio alternativi, trattenere l’attenzione di un ascoltatore richiede molto più dei soli elementi di formato. Entrano in gioco anche le sottigliezze di ciò che può spingere un ascoltatore a rimanere sintonizzato o ad allontanarsi.

Oltre al formato della stazione e a come viene eseguito, l’altro elemento chiave è come la stazione suona – tecnicamente. È qui che l’audio processing gioca un ruolo enorme. Il vecchio adagio “crank it up and rip the knob off” può essere un grande slogan, ma creare una stazione che suona bene – tecnicamente – è molto più che spingere il processing al massimo con l’obiettivo di essere il più forte sulla banda. Sì, è possibile suonare competitivamente forti e mantenere una buona qualità audio con i processori moderni, ma c’è molto di più. Esiste un fattore di fastidio che può emergere dal processing, e questo saggio spiega perché accade e presenta una nuova soluzione.

Fattori di fastidio

Nel dominio tecnico dell’elaborazione del segnale esistono diversi fattori che determinano come suonerà l’audio risultante. I due elementi chiave sono entrambi radicati in forme di distorsione.

La distorsione armonica (THD) è tipicamente ciò che si percepisce quando l’audio sembra “rotto”. In un processore audio la THD è influenzata dal livello di clipping utilizzato per ottenere loudness competitivo. Troppo clipping può aiutare a “bruciare un buco sul dial”, ma la qualità ne risentirà. (Sì, molti processori hanno meccanismi di controllo della distorsione, ma come per tutto, esiste un limite.)

La distorsione da intermodulazione (IMD) si crea quando una parte dominante dello spettro audio influenza un’altra parte attraverso modulazione. Un esempio semplice è il compressore audio di base. Quando impostato con attack/release molto veloci, il compressore modula l’audio risultante al punto da farlo suonare “busy”, o come alcuni dicono “bizzy”. Questo accade perché il segnale di controllo del compressore opera a una frequenza vicina a quella dello spettro audio, regolando l’audio così velocemente che l’orecchio lo percepisce in modo fastidioso.

Questo fastidio può emergere se le costanti di tempo di compressori o limiter sono impostate in modo scorretto. Il risultato può assumere l’aspetto di un audio che “respira”, a causa di una compressione molto profonda unita a costanti di tempo molto rapide. So che alcuni nel nostro settore apprezzano o preferiscono questa firma sonora, ma la ricerca ha dimostrato che questo suono tende a far allontanare la maggior parte degli ascoltatori, soprattutto donne. Sì, un processing impostato in questo modo genererà un audio estremamente denso. Tuttavia, quando il cervello percepisce un segnale denso, reagisce negativamente e inizia a disimpegnarsi. Nel mio ascolto personale, lo definisco “audio costipato”.

I sistemi di Clipper

Sebbene la discussione finora si sia concentrata sugli aspetti dinamici del processing, la massa critica si manifesta nella sezione finale, solitamente chiamata final limiter o clipper. Le tecniche di elaborazione digitale del segnale hanno migliorato la funzione di limiting finale “di molte volte” rispetto alle controparti analogiche, ma esistono ancora limiti a ciò che questi sistemi possono fare… fino ad ora!

Come accennato in precedenza, disponiamo di meccanismi in grado di monitorare, controllare, sopprimere e filtrare la THD. Queste funzioni consentono di ottenere una loudness competitiva e di ridurre al minimo gli effetti collaterali della distorsione. Pur essendo un grande vantaggio, non fanno nulla per ridurre il fastidio dovuto all’IMD generata dal clipper.

La sfida nasce quando l’azione del clipper su varie parti dello spettro spinge il resto dell’audio dentro e fuori dal sistema di clipping, indipendentemente dal fatto che necessitasse o meno di essere tagliato (troncato). Poiché tutta questa attività avviene alla velocità del segnale audio — quindi con attacco istantaneo e rilascio istantaneo — l’IMD generata può accumularsi in modo significativo. Nei nostri sistemi broadcast è solitamente impiegata una rete di pre-enfasi, che incrementa la gamma delle alte frequenze. Questo spinge ulteriormente le frequenze di presenza e di brillantezza in un limiting pesante, quasi costante. Il risultato può essere molto denso e fastidioso all’ascolto.

Entra in scena la FFT

Nel corso degli anni, gli algoritmi di processing si sono evoluti utilizzando la Fast Fourier Transform (FFT). Ci riferiamo a questo approccio come gestione del segnale nel dominio della frequenza, in contrapposizione al dominio del tempo. I segnali nel dominio del tempo sono onde continue — nel tempo, come si vedrebbe su un oscilloscopio — mentre i segnali nel dominio della frequenza sono indipendenti dal tempo e gestiti all’interno di frequency bins. Grazie a un design creativo, è stato possibile ridurre ulteriormente la THD nei sistemi di clipping broadcast. Tuttavia, il problema del fastidio da IMD rimane, e con la FFT può persino peggiorare. Come? Continua a leggere!

Uno dei vantaggi della FFT è la capacità di gestire lo spettro in modo estremamente preciso. La FFT è una funzione nel dominio della frequenza che utilizza molti “bin” per memorizzare e gestire le informazioni audio. Questi bin sono definiti come potenze di due. Ad esempio, possiamo creare una FFT con 1024 bin, cioè 2 elevato alla decima. Considerando lo spettro audio di 15 kHz per l’FM stereo e un sample rate di 192 kHz, dividiamo il sample rate per 1024. In questo esempio, 192 kHz diviso 1024 produce bin larghi 187,5 Hz. Come si può vedere, è una risoluzione molto precisa che offre grande flessibilità su ciò che può essere gestito e regolato lungo l’intero spettro audio. Inoltre, fornisce capacità di filtraggio eccezionali. Fin qui tutto bene… o forse no!

Come spesso accade nella vita, non esistono pasti gratis. Lo stesso vale qui. Sebbene la FFT offra un ottimo filtraggio e una gestione efficace della THD, soffre in termini di trasparenza nella gestione dei transienti audio. Per esempio, prendiamo una traccia ben registrata degli Steely Dan, Babylon Sister. Si apre con quattro colpi di tom-tom molto distinti, ricchi di transienti. Quando passano attraverso un sistema di clipping basato su FFT, i transienti dei tamburi si perdono o risultano attenuati, quando invece dovrebbero rimanere trasparenti. Ciò accade per la natura stessa della trasformata FFT e, senza entrare in un gergo tecnico estremamente profondo, non è possibile preservare la risposta ai transienti più netti. Questo fenomeno è noto come transient smearing e influisce anche sulla percezione dell’IMD. Sebbene la FFT garantisca una THD molto bassa, il livello di IMD rimane comunque in una fascia sottilmente fastidiosa.

Un nuovo approccio

Nonostante ricerche estese sui metodi FFT, non è stato possibile eliminare la perdita di transienti (transient distortion) né l’IMD. Considerando che il principale vantaggio della FFT è il filtraggio preciso tramite i bin, è stato ideato un nuovo approccio nel dominio del tempo. Questo replica i benefici del filtraggio FFT, aggiungendo nuovi elementi algoritmici per sopprimere l’IMD generata dal clipper. È nato un sistema completamente nuovo che offre eccellente THD… E… soppressione dell’IMD… E… preservazione della trasparenza dei transienti! Il risultato è una firma sonora aperta, pulita e competitivamente forte, senza distorsione dei transienti. In termini semplici, l’audio è più facile da ascoltare e molto naturale. Questo favorirà un ascolto più lungo, poiché la ragione sottile che induce a cambiare stazione è stata rimossa.

L’introduzione di Omnia.XII impiega questo nuovo sistema di clipping e aggiunge nuovi algoritmi nelle sezioni di compressione e limiting dinamico, che monitorano e riducono l’IMD. Il risultato è un nuovo approccio al processing che offre alta qualità, loudness competitivo e nessuna delle fastidiose caratteristiche sonore generate da altri sistemi. Questo alza l’asticella nel migliorare la listener retention, con conseguente aumento del TSL, poiché abbiamo rimosso i fattori di tune‑out.

• aumenta l’AQH

• aumenta la fedeltà

• aumenta la permanenza all’ascolto (TSL)

• aumenta la costanza di ritorno

ma non aumenta il giorno medio ieri.

E quindi:

• non può cambiare la classifica basata sul giorno medio

• può cambiare – eccome – la classifica basata sull’AQH

Questa distinzione è fondamentale per capire cosa può fare davvero un processore audio e cosa invece non potrà probabilmente fare.

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In concomitanza con l’uscita dei dati di ascolto radiofonico (in Italia nei giorni in cui viene scritto questo articolo), un ragionamento intorno all’efficacia di un processore Audio e di un buon processo sonoro per il raggiungimento degli obiettivi di audience.

Da sempre nel mondo si parla di TSL e spesso sempre nel mondo una delle indicazioni che mi vengono date nel processo di creazione di un preset per una stazione è che il suono aiuti nell’ aumentare la durata di ascolto, in accordo con i target, il prodotto e le relative esigenze.

Proviamo a capire se ci può essere una relazione oppure no.

Il suono come luogo: perché il processing conta davvero

Il processing non è un cosmetico, non è marketing, non è un claim.
Non è un jingle, non è un contenuto editoriale.

Il processing è esperienza sonora.

Una radio non è solo un flusso di contenuti: è un ambiente.
Un luogo sonoro in cui l’ascoltatore entra, si muove, si rilassa, si distrae, si concentra, si lascia accompagnare.

Un buon processo audio lavora su tre dimensioni fondamentali:

1. Comfort

La radio che non affatica, che non ti costringe a cambiare volume ogni due minuti.
È come una stanza con la luce giusta: non te ne accorgi, ma ci stai bene.

2. Coerenza

La musica, le voci, gli spot, i promo: tutto suona parte dello stesso mondo.
È la differenza tra un locale arredato con cura e un magazzino pieno di sedie diverse.

3. Controllo

Niente sorprese, niente picchi, niente crolli.
La radio è stabile, affidabile, prevedibile nel senso migliore del termine.

Queste tre leve non portano nuovi ascoltatori.
Portano ascoltatori migliori: più fedeli, più costanti, più presenti.

Perché il giorno medio non cambia

Il giorno medio ieri è una metrica che fotografa quante persone hanno ascoltato almeno un minuto della radio in un giorno.

È una misura di:

• notorietà

• abitudine

• brand

• marketing

• rituali quotidiani

Il processore audio tendenzialmente non influenza in maniera decisa questi fattori, forse non convince nemmeno qualcuno che non ti ascolta a iniziare a farlo, non sostituisce una campagna, un claim, un contenuto editoriale.

Il giorno medio misura gli ingressi.
Il processing agisce solo dopo l’ingresso.

Ecco perché dire che “un buon processore può far salire il giorno medio ieri” o che il motivo del successo degli ascolti giorno medio ieri e’ legato al suono e al processo del suono di una stazione, è fuorviante e ingannevole.
È come dire che un buon impianto audio in un ristorante porta più clienti: no, ma li fa restare più a lungo.

Pensare che un processore audio possa “alzare il giorno medio ieri” è un errore concettuale.
È come pensare che un buon profumo faccia entrare più clienti in un negozio: no, ma li fa restare di più.

Dove il processing fa davvero la differenza: l’AQH

L’AQH è la metrica della qualità dell’ascolto.
Misura quante persone stanno ascoltando in un quarto d’ora medio.

E qui il processing è un acceleratore potentissimo.

Quando il suono è:

• piacevole

• riconoscibile

• stabile

• non affaticante

l’ascoltatore resta, anzi, resta di più, resta più spesso e resta più volentieri.

E quando resta, l’AQH sale.

La psicologia dell’ascolto

L’ascoltatore non ragiona in termini tecnici, ovvero non pensa a compressori, AGC, clipper, equalizzazioni.
Pensa a come si sente.

E quando si sente bene:

• resta

• torna

• si affeziona

• sceglie quella radio come “la sua”

Il processing non crea pubblico.
Crea relazione.

L’errore da evitare

Dire che:

“Un buon processore audio può far salire il giorno medio ieri”

è fuorviante.

Il giorno medio non cambia, cambia come ascoltano, non quanti ascoltano.
Di conseguenza affermare che la classifica degli ascolti assoluti (Giorno Medio Ieri o 7 giorni) è legata all’elaborazione sonora è piu’ questione da rabdomanti radiofonici che da professionisti del settore.
Mentre puo’ essere vero che la classifica degli AQH puo’ essere influenzata dal tipo di processo sonoro, capace di mantenere piu’ a lungo l’ascoltatore.

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EN

In recent months, Simone FM — a historic broadcaster in the north of the Netherlands — has expanded its coverage, strengthened its market position, and embraced an editorial choice that feels almost revolutionary today: three hours a day of music played exclusively from vinyl, hosted live every morning by the station’s owner, Bert Vos.

I spoke with him to understand how this idea was born, what it means to make “analog radio” in 2026, and why vinyl keeps growing while everything else becomes digital.

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Bert, let’s start from the beginning. Why look for such a radical “unique selling point” for a radio station?

Bert Vos: “As a radio station, we were looking for something that truly set us apart, without becoming too niche. We wanted a feature that allowed us to stay broad and accessible, yet unmistakably unique.”
When vinyl suddenly returned to the spotlight among real music lovers — he tells me — the spark came almost by accident. “We installed turntables in the studio just to do something with them occasionally. Then a one‑hour vinyl slot became a hit… and from there it evolved into a daily three‑hour show.”

Why vinyl? What does it offer that digital can’t?

Bert: “Someone who has nothing with vinyl will still hear their classics. But vinyl lovers become more enthusiastic — and that makes them listen more.”
But it’s not just nostalgia. It’s an experience.
“The crackle and the noise are like music to the ears. And on the radio, classics gain an extra emotional dimension.”

Vinyl has exploded in popularity in recent years. How do you explain it?

Bert: “Vinyl’s popularity has grown enormously over the past five or six years. Producers can barely keep up with demand, every self‑respecting artist releases on vinyl, record stores are flourishing again.”
And then there’s the generational shift he sees at home:
“My kids, 14 and 17, love putting a record on the turntable. They study the cover, read the booklet while the music plays. It’s a complete experience.”

There’s an anecdote you often share — the one about your youngest son.

Bert: He smiles. “I asked him why he liked vinyl so much. He said: ‘Dad, then it’s yours. It’s your record. On Spotify you borrow the music and you have to pay every month. If you stop paying, you can’t listen anymore. This is yours.’”
A 14‑year‑old speaking like a 50‑year‑old collector.

Let’s clarify something: does vinyl sound better?

Bert: “No, definitely not.”
Then comes the perfect metaphor:
“I compare it to the old incandescent light bulb versus LED. LED is brighter, but the old bulb gives a warmer light. Vinyl is like that: not technically better, but warmer, more human.”

Playing vinyl live also changes the way you do radio, doesn’t it?

Bert: “Completely. You have to go back to traditional radio. There are no intro times on a screen, you need to know how a record ends, you need to build your talk and transitions with your head, not with software.”
And this has a wonderful side effect:
“Music becomes the center of the program again. In many radio shows it has become an afterthought. With vinyl, it can’t be.”

After seven or eight years of doing this, I have to ask: is vinyl just a hype?

Bert: “No, it isn’t. I see it every day. I see it in the numbers. I see it in people. The turnover of new vinyl is huge — and that’s without even mentioning the second‑hand market. It’s a stable phenomenon, not a passing trend.”

So why does it work so well on the radio?

Bert: “Because it’s authentic. Because it’s physical. Because it’s imperfect. And because, in a world where everything is instant and digital, vinyl forces you to be with the music. To touch it, look at it, respect it.”
He closes with a sentence that feels like a manifesto:
“Vinyl isn’t a hype. It’s a way of listening.”

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IT

Negli ultimi mesi Simone FM — storica emittente del nord dei Paesi Bassi — ha ampliato la propria copertura, consolidato il mercato e, soprattutto, ha scelto una strada editoriale che oggi sembra quasi rivoluzionaria: tre ore al giorno di musica suonata esclusivamente da vinile, condotte in diretta dal proprietario stesso, Bert Vos.

L’ho intervistato per capire come nasce questa scelta, cosa significa fare radio “analogica” nel 2026 e perché il vinile continua a crescere mentre tutto il resto diventa digitale.

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Bert, partiamo dall’inizio. Perché cercare un “unique selling point” così radicale per una radio?

Bert Vos: «Come radio cercavamo qualcosa che ci distinguesse davvero, senza diventare troppo di nicchia. Volevamo un elemento che ci permettesse di essere ampi, popolari, ma allo stesso tempo unici».
Quando il vinile è tornato al centro dell’attenzione dei veri appassionati — mi racconta — la scintilla è scattata quasi per caso. «Abbiamo installato dei giradischi in studio per fare qualche item ogni tanto. Poi un’ora di vinile è diventata un successo… e da lì è nato un programma quotidiano di tre ore».

Perché proprio il vinile? Cosa offre che il digitale non può dare?

Bert: «Chi non ha nulla con il vinile ascolta comunque i suoi classici. Ma chi ama il vinile diventa più entusiasta, e quindi ascolta di più».
Il punto, però, non è solo l’effetto nostalgia. È un’esperienza.
«Il crepitio e il rumore sono come musica per le orecchie. E in radio i classici suonano con una dimensione emotiva diversa».

Negli ultimi anni il vinile è esploso. Come lo spieghi?

Bert: «La popolarità del vinile è aumentata enormemente negli ultimi 5-6 anni. I produttori fanno fatica a stare dietro alla domanda, ogni artista pubblica anche su vinile, i negozi sono tornati a vivere».
E poi c’è un dato generazionale che lui vede ogni giorno in casa:
«I miei figli, 14 e 17 anni, adorano mettere un disco sul piatto. Studiano la copertina, leggono tutto il booklet mentre la musica gira. È un’esperienza completa».

C’è un aneddoto che racconta spesso: quello di tuo figlio più piccolo.

Bert: Sorride. «Gli ho chiesto perché gli piacesse così tanto il vinile. Mi ha risposto: “Papà, allora è tuo. È il tuo disco. Su Spotify prendi in prestito la musica e devi pagare ogni mese. Se smetti, non puoi più ascoltare. Questo invece è tuo.”».
Un ragazzino di 14 anni che parla come un collezionista di 50.

Facciamo chiarezza: il vinile suona meglio?

Bert: «No, decisamente no».
E qui arriva la metafora perfetta:
«Lo paragono alla vecchia lampadina a incandescenza rispetto al LED. Il LED è più brillante, ma la lampadina antica dà una luce più calda. Il vinile è così: non è tecnicamente migliore, ma è più caldo, più umano».

Suonare vinile in diretta cambia anche il modo di fare radio?

Bert: «Completamente. Devi tornare a fare radio tradizionale. Non hai gli intro sullo schermo, devi sapere come finisce un disco, devi costruire il talk e il passaggio al brano successivo con la testa, non con il software».
E questo, dice, ha un effetto collaterale meraviglioso:
«La musica torna al centro del programma. In molte radio è diventata un accessorio. Con il vinile non può esserlo».

Dopo 7-8 anni di programma, ti chiedo la domanda che tutti fanno: il vinile è una moda?

Bert: «No, non lo è. Lo vedo ogni giorno. Lo vedo nei numeri. Lo vedo nelle persone. Il fatturato del nuovo vinile è enorme, e non parliamo nemmeno del mercato dell’usato. È un fenomeno stabile, non passeggero».

E allora perché funziona così bene in radio?

Bert: «Perché è autentico. Perché è fisico. Perché è imperfetto. E perché, in un mondo dove tutto è immediato e digitale, il vinile ti obbliga a stare con la musica. A toccarla, a guardarla, a rispettarla».
E conclude con una frase che sembra un manifesto:
«Il vinile non è un hype. È un modo di ascoltare».

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NL

Simone FM — een gevestigde zender in het noorden van Nederland — heeft de afgelopen maanden zijn dekking uitgebreid, zijn marktpositie versterkt en een bijna revolutionaire redactionele keuze gemaakt: drie uur per dag uitsluitend muziek vanaf vinyl, elke ochtend live gepresenteerd door de eigenaar zelf, Bert Vos.

Ik sprak met hem om te begrijpen hoe dit idee is ontstaan, wat het betekent om in 2026 “analoge radio” te maken en waarom vinyl blijft groeien terwijl alles om ons heen digitaliseert.

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Bert, laten we bij het begin beginnen. Waarom zo’n radicale “unique selling point” voor een radiozender?

Bert Vos: “Als radio zochten we iets dat ons écht onderscheidde, zonder te niche te worden. We wilden een element dat ons breed en toegankelijk hield, maar toch uniek.”
Toen vinyl plots weer in de belangstelling kwam bij echte muziekliefhebbers — vertelt hij — gebeurde de rest bijna vanzelf. “We plaatsten draaitafels in de studio om er af en toe iets mee te doen. Maar een uurtje vinyl werd een hit… en zo groeide het uit tot een dagelijks programma van drie uur.”

Waarom vinyl? Wat biedt het dat digitaal niet kan?

Bert: “Iemand die niets met vinyl heeft, hoort toch zijn klassiekers. Maar vinylfans worden enthousiaster — en daardoor luisteren ze meer.”
Maar het gaat niet alleen om nostalgie. Het is een ervaring.
“Het gekraak en de ruis zijn als muziek in de oren. En op de radio krijgen klassiekers een extra emotionele dimensie.”

Vinyl is de afgelopen jaren enorm populair geworden. Hoe verklaar je dat?

Bert: “De populariteit van vinyl is de afgelopen vijf à zes jaar enorm gegroeid. Producenten kunnen de vraag nauwelijks bijbenen, elke zichzelf respecterende artiest brengt ook op vinyl uit, platenzaken bloeien weer op.”
En dan is er nog de nieuwe generatie, die hij thuis ziet:
“Mijn kinderen, 14 en 17, vinden het geweldig om een plaat op de draaitafel te leggen. Ze bestuderen de hoes, lezen het boekje terwijl de muziek speelt. Het is een complete ervaring.”

Je vertelt vaak een anekdote over je jongste zoon.

Bert: Hij glimlacht. “Ik vroeg hem waarom hij vinyl zo leuk vond. Hij zei: ‘Papa, dan is het van jou. Het is jouw plaat. Op Spotify leen je de muziek en moet je elke maand betalen. Als je stopt, kun je niet meer luisteren. Dit is van jou.’”
Een 14‑jarige die praat als een verzamelaar van 50.

Laten we iets ophelderen: klinkt vinyl beter?

Bert: “Nee, zeker niet.”
Dan komt de perfecte metafoor:
“Ik vergelijk het met de oude gloeilamp versus LED. LED is helderder, maar de gloeilamp geeft warmer licht. Vinyl is precies zo: technisch niet beter, maar warmer, menselijker.”

Vinyl draaien in een live-uitzending verandert ook de manier waarop je radio maakt, toch?

Bert: “Volledig. Je moet terug naar traditionele radio. Je hebt geen intro‑tijden op een scherm, je moet weten hoe een plaat eindigt, je moet je talk en je overgangen zelf bouwen, niet met software.”
En dat heeft een prachtig bijeffect:
“Muziek komt weer centraal te staan in het programma. Bij veel radioshows is het een bijzaak geworden. Met vinyl kan dat niet.”

Na zeven à acht jaar dit programma te maken, moet ik het vragen: is vinyl een hype?

Bert: “Nee, absoluut niet. Ik zie het elke dag. Ik zie het in de cijfers. Ik zie het bij de mensen. De omzet van nieuw vinyl is enorm — en dan hebben we het nog niet eens over de tweedehandsmarkt. Het is stabiel, geen voorbijgaande trend.”

Waarom werkt het dan zo goed op de radio?

Bert: “Omdat het authentiek is. Omdat het fysiek is. Omdat het imperfect is. En omdat vinyl je dwingt om bij de muziek te zijn in een wereld waar alles instant en digitaal is. Je raakt het aan, je kijkt ernaar, je respecteert het.”
Hij sluit af met een zin die bijna een manifest is:
“Vinyl is geen hype. Het is een manier van luisteren.”

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🇮🇹

Il processo audio in radio: perché l’elaborazione del suono è molto più di un “trucco tecnico”

C’è un paradosso nella radio contemporanea: tutti parlano di contenuti, pochissimi parlano del suono. Eppure, è proprio il suono a determinare la percezione di qualità, autorevolezza e identità di una stazione. Non è un dettaglio tecnico: è un linguaggio. È un modo di stare al mondo.

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L’elaborazione del suono – il famoso processing – è spesso raccontata come una catena di compressori, limiter e equalizzatori. In realtà è un processo culturale: definisce come una radio vuole essere ascoltata, ricordata e riconosciuta.

1. Il suono come firma editoriale

Ogni radio ha una voce. Non parlo della voce dei conduttori, ma della voce della stazione.
È una voce fatta di:

• densità

• presenza

• brillantezza

• dinamica

• calore

Il processing è ciò che trasforma una playlist in un’identità.
Due stazioni possono trasmettere gli stessi brani, ma nessuno le confonderà se il suono è stato progettato con intenzione.

In radio, il suono non è neutrale: è un manifesto.

2. L’obbligo morale della radio: modificare il suono per rivelare la propria identità

Qui entra in gioco un concetto che considero fondamentale: una radio ha il dovere morale di modificare il suono originale.

Non per tradirlo, non per “migliorarlo”.
Ma per renderlo coerente con la propria personalità.

Il suono originale, quello del disco, della voce, del promo, è materia grezza.
È un punto di partenza, non un punto d’arrivo.
Una radio che si limita a trasmettere l’audio così com’è, oltre ad essere impossibile tecnicamente, rinuncia a una parte essenziale della propria responsabilità culturale: dare forma all’esperienza emozionale che offre ai suoi ascoltatori.

Modificare il suono significa:

• definire il carattere della stazione

• rendere evidente il formato

• costruire un ambiente emotivo riconoscibile

• guidare l’ascoltatore dentro un mondo sonoro coerente

La radio non è un archivio, ma e’ un interprete.
E ogni interprete ha il dovere di dare una forma alla materia che trasmette.

3. Perché serve il processing: una questione di percezione, non di volume

L’errore più comune è pensare che il processing serva a “suonare più forte”.
La verità è più sottile: serve a suonare meglio in ogni condizione di ascolto.

La radio vive in ambienti ostili:

• auto rumorose

• smartphone con altoparlanti minuscoli

• cucine, uffici, supermercati

• streaming compresso

• FM con limiti fisici severi

Il processing è un adattatore culturale: traduce la complessità del suono in un’esperienza stabile, riconoscibile e piacevole, indipendentemente dal contesto.

4. Le tre dimensioni del processing moderno

A. La dinamica

Quante volte capita di ascoltare in auto un contenuto audio, specialmente podcast e produzioni non originate dal Broadcast, e non capirne tutte le parole, dovere continuamente alzare ed abassare il volume?
La compressione non serve a schiacciare, ma a dare coerenza.

Una radio senza controllo dinamico è come un testo senza punteggiatura: tecnicamente leggibile, ma faticoso.

B. Il timbro

L’equalizzazione, l’elaborazione del ‘colore del suono’ non è un’operazione chirurgica: è una scelta estetica. Un suono più caldo comunica vicinanza. Un suono più brillante comunica energia. Un suono più “aperto” comunica modernità.

C. La densità

Limiter, clipper e AGC definiscono la “fisicità” del suono.
La radio non ha un corpo, ma può sembrare corporea.
La densità è ciò che fa percepire una stazione come “solida”, “professionale”, “importante”.
Mi e’ recentemente capitato di fare test di ascolto con gente che non ha niente a che fare con il suono, la radio, e di fonte ai confronti le risposte sono quasi sempre ‘questa e’ piu’ bella perche’ piu’ potente’, e dietro questo aggettivo leggiamo un po’ di cose, dalla ‘potenza’ vera e propria, la Loudness, alla cura dei dettagli del suono per renderlo piu’ piacevole ed emozionante,

5. L’illusione dell’omogeneità: perché ogni contenuto ha bisogno di un trattamento diverso

Una radio non trasmette solo musica.
Trasmette:

• voci

• promo

• jingle

• pubblicità

• contributi esterni

• podcast riadattati

Il processing deve essere un sistema, non un preset. La voce richiede un trattamento diverso dalla musica. Il promo richiede un trattamento diverso dal parlato.
Il contenuto esterno richiede un trattamento diverso dal contenuto prodotto in studio.

L’obiettivo non è uniformare, ma armonizzare.

6. Il futuro del processing: meno preset, più intenzione

La tecnologia oggi permette tutto: loudness costante, analisi in tempo reale, adattamento automatico ai formati.
Ma la differenza non la fa la macchina: la fa la visione.

Le radio che suonano meglio sono quelle che hanno risposto a una domanda semplice e radicale:

Che cosa vogliamo far sentire, e come vogliamo far sentire chi ci ascolta?

Il processing è un atto editoriale. È una scelta di posizionamento. È una dichiarazione di identità.

Il suono è un gesto politico

In un’epoca in cui tutto è contenuto, la radio che investe nel suono sta dicendo una cosa molto chiara:
noi ci teniamo.

Ci teniamo alla qualità. Ci teniamo all’ascoltatore. Ci teniamo alla nostra voce.

E soprattutto: ci assumiamo la responsabilità morale di trasformare il suono originale in un’esperienza che parli di noi.

L’elaborazione del suono non è un trucco tecnico: è un gesto di cura.

E la cura, oggi, è la forma più potente di differenziazione.

🇬🇧

The Audio Process in Radio: Why Sound Processing Is Much More Than a “Technical Trick”

There’s a paradox in contemporary radio: everyone talks about content, but very few talk about sound. Yet sound is exactly what shapes the perception of quality, authority, and identity of a station. It’s not a technical detail — it’s a language. It’s a way of being in the world.

Sound processing — the famous processing — is often described as a chain of compressors, limiters, and equalizers. In reality, it’s a cultural process: it defines how a radio station wants to be heard, remembered, and recognized.

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1. Sound as an Editorial Signature

Every radio station has a voice. Not the voice of the presenters, but the voice of the station itself.
A voice made of:

• density

• presence

• brightness

• dynamics

• warmth

Processing is what turns a playlist into an identity.
Two stations can play the same songs, but no one will confuse them if their sound has been intentionally designed.

In radio, sound is never neutral, it’s a manifesto.

2. The Radio’s Moral Obligation: Shaping Sound to Reveal Its Identity

Here’s a concept I consider fundamental: a radio station has a moral obligation to modify the original sound.

Not to betray it.
Not to “improve” it.
But to make it coherent with its own personality.

The original sound, the track, the voice, the promo, is raw material.
It’s a starting point, not a destination.
A station that simply broadcasts audio “as it is,” besides being technically impossible, gives up an essential part of its cultural responsibility: shaping the emotional experience it offers its listeners.

Modifying sound means:

• defining the station’s character

• making the format evident

• building a recognizable emotional environment

• guiding the listener into a coherent sonic world

Radio is not an archive, it’s an interpreter.
And every interpreter has the duty to give form to the material they transmit.

3. Why Processing Matters: A Question of Perception, Not Volume

The most common misconception is that processing exists to “sound louder.”
The truth is more subtle: it exists to sound better in every listening condition.

Radio lives in hostile environments:

• noisy cars

• smartphones with tiny speakers

• kitchens, offices, supermarkets

• compressed streaming

• FM with strict physical limits

Processing is a cultural adapter: it translates the complexity of sound into a stable, recognizable, pleasant experience, regardless of context.

4. The Three Dimensions of Modern Processing

A. Dynamics

How many times have you listened to a podcast or non-broadcast audio in the car and struggled to understand every word, constantly turning the volume up and down?
Compression doesn’t exist to flatten, it exists to create coherence.

A radio station without dynamic control is like a text without punctuation: technically readable, but tiring.

B. Timbre

Equalization, the shaping of the “color” of sound, is not a surgical operation; it’s an aesthetic choice.
A warmer sound communicates closeness.
A brighter sound communicates energy.
A more “open” sound communicates modernity.

C. Density

Limiters, clippers, and AGCs define the physicality of sound.
Radio has no body, but it can feel embodied.
Density is what makes a station feel “solid,” “professional,” “important.”

I recently ran listening tests with people who have nothing to do with radio or audio. Faced with comparisons, their reactions were almost always the same: “this one sounds better because it’s more powerful.”
Behind that word powerful we can read many things: loudness, yes, but also attention to detail, emotional impact, and sonic care.

5. The Illusion of Homogeneity: Why Every Content Type Needs Its Own Treatment

A radio station doesn’t broadcast only music.
It broadcasts:

• voices

• promos

• jingles

• commercials

• external contributions

• repurposed podcasts

Processing must be a system, not a preset.
Voices need a different treatment than music.
Promos need a different treatment than speech.
External content needs a different treatment than studio-produced material.

The goal is not uniformity, it’s harmony.

6. The Future of Processing: Less Preset, More Intention

Technology today allows everything: constant loudness, real-time analysis, automatic format adaptation.
But the difference is not made by the machine, it’s made by the vision.

The stations that sound best are those that have answered a simple, radical question:

What do we want people to hear, and how do we want them to feel when they hear it?

Processing is an editorial act.
A positioning choice.
A declaration of identity.

Sound Is a Political Gesture

In an era where everything is “content,” a radio station that invests in sound is sending a very clear message: we care.

We care about quality. We care about the listener. We care about our voice.

And above all:
we take moral responsibility for transforming the original sound into an experience that speaks for us.

Intervista a Gianluca Costella, manager dell’audio, mente creativa di format radiofonici e collezionista da 30.000 vinili.

Nel prossimo articolo parleremo invece con Bert Vos, direttore di Simone FM, Paesi Bassi, che dedica buona parte della programmazione della sua radio alla trasmissione di musica da Vinile.

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Chi è Gianluca Costella

Manager con una lunga carriera nell’industria radiofonica italiana, da 20 anni in forza al gruppo GEDI, Gianluca Costella ha attraversato l’epoca delle radio libere milanesi contribuendo alla nascita di format, palinsesti e strategie musicali che hanno segnato un’epoca.

È talent di Radio Capital per Capital Funky e creatore del format Funky Town, uno dei progetti più riconoscibili nel panorama funk e soul italiano.

Parallelamente, è uno dei più importanti collezionisti privati del Paese:
quasi 30.000 vinili, una conoscenza enciclopedica di produzioni, cataloghi, sessioni e rarità.

“Il vinile non è perfetto. È vivo.”

Ci sono persone che la musica non la ascoltano soltanto: la organizzano, la curano, la dirigono. Gianluca Costella è una di queste.

L’ho intervistato per capire cosa ci sia davvero dietro il ritorno del vinile.

Perche’ il vinile nel 2026 nell’oceano della tecnologia?

Legato all’ascolto di un disco in vinile c’è un vero e proprio rituale.
E’ un oggetto che ha un suo fascino; se lo posseggo dalla notte dei tempi, magari posseduto da mio padre, quel fascino è ancora maggiore.

La prima cosa che percepisco è che ho un oggetto affascinante che inizio ad apprezzare ancor prima di suonarlo, ammirando la copertina.

Seconda cosa, quando lo suono, lo appoggio sul giradischi, perdono tutte le imperfezioni tecniche a fronte di un suono caldo, perché è innegabile che il vinile restituisce una qualità sonora meno precisa, meno fedele rispetto al digitale non compresso, ma più calda.
Anche il fruscio del disco e il rumore di sottofondo sono sensuali funzionalmente all'ascolto.
Se a questo uniamo il fatto che molto frequentemente ha una bella copertina, e una volta ci si applicavano quando facevano le copertine, ci troviamo a che fare con vere e proprio opere d’arte al pari di un quadro.

Il vinile e’ un rituale

E poi i libretti che spesso erano inclusi nei dischi, con la possibilità di seguire i testi sfogliando un book talvolta anche fotografico, tutto questo mix di cose restituisce, come dicevo prima, un rituale: il rituale dell’ascolto del vinile, che con la musica liquida non puoi avere, perché è proprio freddo il rapporto.
Io clicco, faccio partire un file, faccio partire un CD che è perfetto, che si sente benissimo, ma che non ha personalità.

Il vinile ha personalità e la personalità sono anche gli scricchiolii

Condividi Sound Matters - by Max Pandini

Il vinile è davvero il supporto migliore?

No, non è il supporto più fedele.
Un CD, tecnicamente, è più pulito. Ma la fedeltà non è tutto: il vinile, come detto prima, ha un fascino che nessun altro formato possiede:
un suono meno preciso, sì, ma più caldo, più “cavo”, più sensuale, perfino i fruscii diventano parte dell’esperienza.
Non difetti, ma carattere.

Quindi è una questione di emozione più che di tecnica?

È entrambe le cose.
C’è il rituale — l’oggetto, la copertina, il gesto — ma c’è anche un aspetto psicoacustico che molti ignorano.

Con la compressione digitale vengono eliminate alcune armoniche, cioè quelle micro‑sfumature che il nostro cervello interpreta come “emozione”.

Sono frequenze che non servono alla comprensione del brano, ma servono alla pelle d’oca. Il vinile, invece, conserva queste armoniche.
E il nostro cervello le riconosce come qualcosa di vivo. È lo stesso motivo per cui uno Stradivari non suona come un violino qualsiasi: la differenza non è nella nota, ma nelle sfumature armoniche che lo strumento riesce a produrre.
Il vinile fa la stessa cosa con la musica

E i giovani? Perché stanno tornando al vinile?

I giovani sono rimasti affascinati, esattamente come siamo rimasti affascinati noi quando abbiamo iniziato a comprare i primi dischi.

Qui c’è da fare un ragionamento anche più profondo.
Ho un sacco di amici che hanno negozi di dischi, quindi ho il termometro non solo italiano, ma ti direi anche europeo, di Francia e Svizzera per esempio.

I giovani comprano qualche cosa di nuovo, ma tendenzialmente acquistano le incisioni di catalogo, vanno a riscoprire le cose che magari ascoltavano col papà quando erano più piccoli.
Non voglio fare nomi, ma l’artista di oggi che si ispira a De Gregori...
Bene, sai che c’è? Piuttosto che investire 40 euro nel disco di questo (magari masterizzato ad hoc per la fruizione digitale e che poco rende da vinile), me lo ascolto liquido e via, e 40 euro li spendo per comprarmi l’album di De Gregori anni ’70 dove mi ascolto ‘Atlantide’, che è uno dei capolavori assoluti della musica italiana che, ahimè, per ora non è stato ancora bissato da nessun artista contemporaneo.

Questa è la verità, e c’è anche un discorso legato all’investimento economico.
Un ragazzo giovane che ha deciso di spendere 40 Euro per un disco, dice: “Vado a comprare qualcosa che ha un valore nella storia, piuttosto che un disco di oggi che forse domani non avrà alcun senso”.
Tieni conto che io i dischi li compro da quando ero bambino.

Ecco, la tua collezione è leggendaria.
Da dove nasce tutto?

Da un’infanzia particolare.
A quattro anni ho avuto un problema di salute che mi ha costretto a casa per mesi.
Veniva a trovarmi spesso mio cugino più grande di me e mi portava sempre un sacco di dischi: Genesis, Pink Floyd, PFM, cantautorato italiano.

La musica è stata la compagnia della mia infanzia.

È stato automatico, poi crescendo, il desiderio di avere dei dischi miei, di farmeli regalare in ogni occasione: Natale, compleanno.
E poi quando sono nate le radio nel ‘75 io impazzivo perché ascoltavo tantissima musica. Tantissima.
E naturalmente mi annotavo tutti i dischi che mi piacevano, che avrei voluto ricevere in regalo o che mi compravo io con la mancetta.
Il primo disco che ho preso è stato “Music” di John Miles e l’album “Nice and Nasty” della Salsoul Orchestra. Forse quel disco lì l’ho comprato perché aveva una copertina accattivante, non lo so, però mi piaceva anche il suono soul.
I primi dischi invece me li aveva regalati mio cugino, sono stati i Pink Floyd, “Selling England by the Pound” dei Genesis, un disco che mi ha fatto impazzire che io dico sempre essere il disco che mi ha proprio fatto innamorare della musica.Questi dischi hanno dato il la alla mia mastodontica collezione, 20/25000 vinili…

E vinili ne compro ancora. Oggi mi è arrivato un pacco di dischi dalla Germania di vari generi. Cosmic Funk, due lp di Sergio Mendes dei primi anni ’60, la collezione si arricchisce.

Inoltre sin da piccolo sono sempre stato attirato anche dalla passione per l’alta fedeltà. Va bene ascoltare il vinile, ma io ho sempre voluto ascoltare bene.

Non esiste “avere tutto”.
C’è sempre un disco che manca.
Sempre.

Magari ce l’ho già, ma lo voglio in una condizione migliore.
Oppure scopro un gruppo Brazil Funk degli anni ’70 e mi si apre un mondo.
È una ricerca continua, e non voglio che finisca.

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L’ascolto. Con cosa ascolti tutta questa musica?

Ho più impianti, perché non ascolto sempre allo stesso modo.

Quando ho voglia di sentire il suono meno fedele, meno preciso, ma più sensuale, più accattivante, più emozionante, vado e mi ascolto un impianto vintage che ho con amplificatore Marantz, casse AR, cioè un impianto top level ma del 1978.

E lì sento un suono pieno di difetti, in realtà. Entro in un mood psicologico E’ un esercizio che faccio: metto un disco, che ne so, supponiamo “Wish You Were Here” dei Pink Floyd, un grande classico.
Se io lo suono con il mio impianto Marantz, che era stato costruito quando è uscito quel disco, io mi emoziono.
È chiaro che se poi lo suono con le JBL Control Monitor, oppure con le speaker Sonus Faber e l’amplificatore McIntosh nuovo, ultimo modello, ho una precisione di suono, di riproduzione molto maggiore.
Li’ Sono nella modalità “voglio sentire bene” e allora uso quell’impianto.
Ma se invece voglio emozionarmi al massimo, io accendo l’impianto vintage.
Ed è un gioco, è una macchina del tempo. Torno proprio all’epoca.

Ho una piccola collezione di hi-fi vintage, ad esempio posseggo ancora un amplificatore Luxman, che è quello che avevo comprato nel ‘79, e mi ricordo che con quell’impianto ascoltavo il primo album dei Dire Straits, quello con “Sultans of Swing”. E mi viene la pelle d’oca, perché mi sembra di tornare indietro di 45 anni.

Estremizzo: quando mi viene il desiderio di ascoltare il rock ‘n roll di Bill Haley ad esempio, accendo il mio Juke Box Seeburg e mi proietto dritto nelle atmosfere “Happy Days”!

L’audiofilia è questo: un equilibrio instabile tra nostalgia ed esattezza.

Quanto deve investire un giovane che vuole iniziare?

Per i dischi, poco: 10–15 album fondamentali, 30–40 euro l’uno.
Il vero investimento è l’impianto.

Per ascoltare bene invece serve un setup serio. Non basta un amplificatore “che si sente forte”. Serve controllo, equilibrio, capacità di restituire ciò che è stato inciso.

E poi inizia il viaggio infinito: un basso più frenato, un acuto meno metallico e più vellutato, una testina migliore, un preamplificatore magari valvolare, una finale più potente… Non si finisce mai.
Ed è proprio questo il bello.

Se dovessi riassumere in una frase perché il vinile continua a tornare?

Perché il vinile non è perfetto.
È vivo.

C’è una frase che si ripete spesso: “Il vinile è tornato.”

In realtà non se n’è mai andato. Ha solo continuato a vivere in quelle zone della cultura dove la fretta non attecchisce: le mani dei collezionisti, i negozi indipendenti, le case di chi ascolta musica come un gesto e non come un sottofondo.
Quello che è cambiato siamo noi, e soprattutto i più giovani, che abbiamo ricominciato a cercarlo.

In due parti, quasi come se fossero Lato A e Lato B di un 45 giri di successo, che contiene una grande Hit su etrambi i lati, ci avventuriamo in un viaggio dedicato al suono dei Vinili e al loro valore.

• Lato A: vinile che passione, il calore dell’audio analogico

• Lato B: storie di Vinili, intervista a Gianluca Costella e Bert Vos

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Il punto non è solo la qualità del suono, anche se il rituale analogico ha una sua fisicità che nessun algoritmo può replicare. Il punto è che il vinile restituisce alla musica una cosa che abbiamo perso: la presenza.
Un disco occupa spazio, chiede attenzione, pretende un tempo dedicato. Non puoi “skippare” con un pollice distratto. Devi esserci.

E quello che succede in quel mondo minimale di pochi millimetri e’ davvero magico.
Una puntina che ripercorre microsolchi di qualche micron e trasforma un elemento meccanico nell’emozione di un suono!

Il valore dell’attrito

Viviamo in un’epoca in cui tutto è progettato per essere immediato, fluido, invisibile. Il vinile fa l’opposto: introduce attrito.
E proprio quell’attrito, togliere il disco dalla busta, appoggiare la puntina, girare lato A e lato B, diventa parte dell’esperienza. È un piccolo rito domestico che ci ricorda che la musica non è solo contenuto, ma contesto.

Un archivio che racconta chi siamo

Una collezione di vinili è una biografia in forma di scaffale.
Ogni disco porta con sé un luogo, una stagione, una persona. Non è un algoritmo a suggerirti cosa ascoltare: sei tu a scegliere, e quella scelta dice qualcosa di te.

Perché i vinili parlano ai giovani (e perché il suono analogico ci scalda ancora)

C’è un paradosso che attraversa la cultura contemporanea: mentre tutto diventa più veloce, più liquido, più digitale, i ragazzi sotto i trent’anni stanno riportando in vita un oggetto che richiede lentezza, cura e presenza.
Il vinile non è più un feticcio da collezionisti o un cimelio da nostalgici: è diventato un linguaggio generazionale.

Il trend: un ritorno che non è nostalgia

Negli ultimi anni le vendite di vinili sono cresciute in modo costante, spesso superando i CD e avvicinandosi — simbolicamente, più che nei numeri — allo streaming.
Ma la cosa interessante non è la curva delle vendite: è chi sta comprando i dischi.
I giovani non hanno memoria diretta del vinile. Non lo associano all’infanzia, ai genitori, ai negozi di dischi degli anni ’80. Per loro è una scoperta, non un ritorno.
E proprio per questo il vinile diventa un gesto identitario: un modo per sottrarsi alla logica dell’algoritmo, per scegliere attivamente cosa ascoltare, per costruire un rapporto fisico con la musica.

Il suono caldo del vinile

E ora veniamo a cio’ che piu’ ci piace raccontare ed ascoltare: il suono!
Sound Matters!
L’audio di un vinile viene spesso descritto come ‘piu’ caldo’ ed emozionante del ‘freddo’ digitale di un cd o di un file. Solo sensazione o c’e’ del tecnico?

Ebbene si’
ci sono spiegazioni tecniche concrete per cui il vinile viene percepito come “più caldo” rispetto al digitale, ma la percezione è anche influenzata da mastering, catena di riproduzione e fattori psicologici.

Spiegazione tecnica sintetica

1. Forma d’onda continua vs campionamento discreto.
Il vinile è un supporto analogico che riproduce una forma d’onda continua, mentre il digitale campiona il segnale a intervalli (es. 44,1 kHz) e lo ricostruisce tramite DAC; questa continuità analogica contribuisce a una sensazione di “morbidezza” nelle transizioni timbriche.

2. Distorsione armonica “eufonica”.
La catena meccanica (puntina, testina, pre-phono) introduce prevalentemente armoniche pari che l’orecchio percepisce come ricchezza o calore, mentre certe distorsioni digitali tendono a generare armoniche dispari più fastidiose.
Questo tipo di distorsione è spesso descritto come musicalmente gradevole.

3. Filtraggio e roll‑off delle alte frequenze.
Sistemi vinilici e mastering per vinile spesso presentano un roll‑off HF più dolce, riducendo asprezza e fatica d’ascolto; il risultato è una timbrica meno “brillante” e più avvolgente.

4. Mastering differente.
I vinili vengono spesso masterizzati diversamente (compressione, equalizzazione, gestione dei bassi) per adattarsi ai limiti fisici del solco: questo influisce molto sul “calore” percepito, a volte più del formato stesso.

Rischi, limiti e come testare (pratico)

• Limiti tecnici: rumore di superficie, usura, wow/flutter; la qualità dipende da testina, braccio, pre-phono.

• Bias percettivo: rituale e aspettativa aumentano la sensazione di calore.

• Test consigliato: confronta lo stesso master su vinile e file lossless usando la stessa catena di amplificazione (stesso amplificatore e diffusori), ascolta passaggi con transitori e alte frequenze per valutare differenze reali.

Quindi
il “calore” del vinile è parzialmente tecnico (continuità, armoniche, roll‑off, mastering) e parzialmente psicologico/rituale; entrambi gli aspetti contribuiscono in modo significativo alla percezione.

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Intanto l’audio: in auto la maggior parte dei Podcast non e’ inteleggibile, si usano spesso plugin gratuiti o improvvisati anziche’ processo audio professionale e questo ne rende davvero difficile l’ascolto in ambienti rumorosi, si perdono parole, le telefonate vengono sormontate dal rumore dell’auto in accelerata; i Podcast devono suonare famigliari a come l’orecchio e’ stato abituato finora, ovvero l’audio della Radio!
Ma soprattutto devono suonare in una modalita’ a cui la radio e’ gia’ abituata e maestra: sempre sopra il livello di rumore circostante.

E poi i contenuti: se i Podcast sono l’eco del web o peggio ancora dei social (mi e’ capitato di sentire in podcast iper-quotati “leggevo la scorsa settimana su facebook”), posso capirne l’utilita’?

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Fatta questa premessa vediamo come va il mondo dell’audio e delle produzioni on-demand nelle nazioni analizzate, ovvero Italia, Germania, Francia, Uk, Spagna e Usa.
Per ‘audio’ intedo tutto cio’ che parte dal mondo audio-based, o radio-based anche se poi ci vengono costruite situazioni visual.

Partiamo dall’aspetto commerciale per capire il valore delle produzioni nei mercati, e poi vediamo l’offerta editoriale per capire come si raggiungono i valori di mercato.

Ti faro’ qualche domanda qua e la’ nell’articolo, mi interessa molto il tuo parere per il lavoro che faccio in giro per il mondo, se ti va dimmi la tua opinione.

Il Valore del mercato delle produzioni On Demand

Ecco un confronto sintetico dei valori stimati dei mercati podcast nei principali Paesi occidentali.

I dati provengono da analisi di mercato, report europei e stime consolidate del settore. Dove non esistono osservatori ufficiali, indico intervalli realistici basati su trend e investimenti.

• USA: il mercato più grande e strutturato, trainato da pubblicità, abbonamenti e network come Wondery, NPR, Spotify Studios.

• Germania: la cifra molto alta deriva dal fatto che molti report tedeschi aggregano podcast + audio digitale + streaming, quindi non è direttamente comparabile con i valori “solo podcast” degli altri Paesi.

• UK: mercato molto professionale, forte presenza BBC, Global e studi privati.

• Francia: ecosistema creativo vivace, ma investimenti pubblicitari più contenuti rispetto a UK e Germania.

• Italia: mercato giovane ma in forte crescita, con un ruolo importante dei branded podcast.

• Spagna: crescita simile all’Italia, con forte adozione mobile e contenuti in lingua spagnola che circolano anche in America Latina.

Nonostante il ‘campo largo’, il mercato tedesco resta tuttavia a mio avviso il modello piu’ interessante a cui ispirarsi: il broadcast e’ il perno di expertise attorno a cui ruota il mondo delle produzioni on-demand, ed e’ tra i mercati piu’ strutturati e organizzati perche’ i produttori di contenuti tedeschi hanno da subito preso tremendamente sul serio questa frontiera della comunicazione.

I contenuti

Vediamo ora cosa caratterizza le produzioni delle nazioni sopra citate.

USA – Il laboratorio globale

Caratteristiche editoriali

• Dominio di grandi network: NPR, Wondery, The New York Times, Vox, Gimlet.

• Forte presenza di indipendenti social-first e creator con community enormi.

• Generi dominanti:

• News daily (The Daily, Up First)

• True crime

• Talk show e opinion (Joe Rogan, ecc.)

• Investigazione longform

• Altissima qualità narrativa e sonora, uso massiccio di sound design.

• Modelli editoriali molto chiari: serie, stagioni, verticalità.

Punti di forza

• Ecosistema maturo, sperimentazione continua.

• Forte cultura del daily news podcast.

• Capacità di scalare globalmente.
  

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REGNO UNITO – Tradizione, rigore, sperimentazione

Caratteristiche editoriali

• Leadership della BBC, che detta standard narrativi e tecnici.

• Forte presenza di studi indipendenti (Tortoise, Broccoli Content).

• Generi dominanti:

  • News e approfondimento

  • Documentari audio

  • Comedy e intrattenimento

• Grande attenzione alla scrittura e alla voce.

Punti di forza

• Cultura audio radicata.

• Podcast come estensione naturale del giornalismo.

GERMANIA – Qualità, istituzioni forti, mercato solido

Caratteristiche editoriali

• Ruolo centrale dei broadcaster pubblici (ARD, Deutschlandfunk).

• Produzioni molto curate, spesso più “radiofoniche” che “podcast-native”.

• Generi dominanti:

• Cultura, filosofia, scienza

• True crime

• Approfondimento giornalistico

• Crescita di studi indipendenti, ma meno esplosivi rispetto a UK/USA.

Punti di forza

• Grande fiducia del pubblico nei media pubblici.

• Standard tecnici elevati.

FRANCIA – Creatività, autorialità, forte identità

Mi ha impressionato quando ho parlato con Radio France qulche mese fa riguardo al processing audio dei loro contenuti, il numero elevato di produzioni che hanno, le regionalizzazioni e soprattutto i milioni di ascoltatori mensili.

Caratteristiche editoriali

• Ecosistema vivace, con studi come Binge Audio, Nouvelles Écoutes, Louie Media.

• Forte impronta autoriale e narrativa.

• Generi dominanti:

  • Documentari e reportage

  • Podcast culturali

  • Fiction audio

  • Grande attenzione alla messa in scena sonora.

Punti di forza

• Identità stilistica riconoscibile.

• Buona esportazione nei paesi francofoni.

SPAGNA – Crescita rapida, forte influenza latinoamericana

Caratteristiche editoriali

• Leadership di Podium Podcast (Prisa).

• Forte consumo mobile e social.

• Generi dominanti:

  • True crime

  • Intrattenimento

  • Fiction

• Crescita di creator indipendenti con community iberoamericane.

Punti di forza

• Mercato linguistico enorme (Spagna + LATAM).

• Buona capacità di serializzare e rendere pop i contenuti.

ITALIA – Branded forti, narrativa in crescita, ibridazione radio

Caratteristiche editoriali

• Ecosistema ibrido: radio, studi indipendenti, piattaforme.

• Leadership di Chora Media, OnePodcast, RAI, Will Media, gruppi con produzioni significative in crescita (Corax, Vois).

• Generi dominanti:

  • True crime

  • Attualità e spiegazione

  • Branded podcast (segmento molto forte)

  • Serie narrative

• Crescita della qualità editoriale e della scrittura.

Punti di forza

• Capacità di creare storytelling emotivo e riconoscibile.

• Forte domanda da parte dei brand.

Quali modelli editoriali funzionano di piu’ in Europa
(e dove può inserirsi un produttore italiano)

Negli ultimi anni il mercato europeo del podcast è diventato un mosaico complesso: ogni Paese ha sviluppato un proprio stile, un proprio ritmo, un proprio modo di intendere la narrazione audio. Eppure, osservando con attenzione, emergono alcune linee comuni che attraversano i confini e definiscono ciò che funziona davvero nel nostro continente.

In Europa, i modelli editoriali più solidi sono quelli che riescono a combinare abitudine, serialità e identità. I daily di news, per esempio, continuano a crescere perché rispondono a un bisogno semplice: avere una voce di riferimento che ti accompagna ogni giorno, in un formato breve e riconoscibile. È un modello che funziona benissimo nel Regno Unito, in Germania e in Francia, e che sta maturando anche in Italia e Spagna. Non è solo informazione: è un rituale.

Accanto ai daily, il grande motore europeo resta la narrazione seriale, soprattutto nel true crime e nell’investigazione. È il genere più “bingeabile”, quello che crea attesa, che costruisce comunità e che permette ai produttori di lavorare con una struttura chiara, quasi televisiva. È anche il genere più esportabile: una buona storia investigativa, ben scritta e ben prodotta, può viaggiare da un Paese all’altro con una facilità sorprendente.

Poi c’è il territorio dei documentari narrativi, che in Francia e nel Regno Unito ha raggiunto livelli altissimi di cura e di autorialità. Qui il podcast diventa un luogo di scrittura, di messa in scena sonora, di ricerca. È un modello che in Italia sta crescendo, ma che richiede tempo, risorse e una cultura editoriale che non sempre i media tradizionali sono pronti a sostenere.

Infine, c’è il mondo dei talk verticali, guidati da host forti e riconoscibili. In Germania, Francia e UK sono ormai un pilastro: non semplici conversazioni, ma spazi editoriali con un’identità precisa, un punto di vista, un ritmo. In Italia questo modello esiste, ma spesso è ancora troppo legato alla radio o alla logica del “programma”, più che a quella del podcast.

Dove può inserirsi un produttore italiano

Per un produttore italiano che guarda all’Europa, le opportunità non mancano. La Germania, per esempio, è un mercato che premia la qualità tecnica e il rigore: qui funzionano molto bene le serie investigative, i documentari culturali, i progetti che affrontano temi europei con profondità. Un produttore italiano può portare storie e sensibilità che i tedeschi trovano affascinanti, purché trattate con serietà e struttura.

La Francia, invece, è il regno dell’autorialità. Qui c’è spazio per progetti che uniscono sensibilità mediterranea e cura formale: storie culturali, sociali, intime, raccontate con una voce forte. È un mercato che ama la narrazione, la scrittura, la messa in scena sonora. Un terreno fertile per chi sa costruire atmosfere.

Il Regno Unito è più complesso: richiede inglese impeccabile, rigore giornalistico e formati molto chiari. Ma è anche un Paese che guarda all’Europa con curiosità. Raccontare l’Italia come laboratorio sociale, dalla politica alla Chiesa, dal calcio alla moda – può essere una chiave interessante, soprattutto se inserita in un contesto più ampio.

La Spagna, infine, è un mercato più pop, più ritmico, più vicino all’intrattenimento. Qui funzionano le storie forti, i crime, le fiction, i progetti pensati per un pubblico mobile-first. Ed è anche un ponte naturale verso l’America Latina: un’opportunità enorme per chi vuole lavorare su scala linguistica e non solo geografica.

Quali generi italiani possono davvero viaggiare

Se guardiamo ai generi più esportabili, il primo posto spetta senza dubbio al true crime. Le storie italiane – dalla cronaca nera alla mafia, dalla corruzione ai misteri irrisolti – hanno un fascino internazionale che pochi altri Paesi possono vantare. Ma per funzionare fuori dai confini devono essere trattate con rigore, evitando stereotipi e folklore.

Molto esportabili sono anche le docu-serie sociali e politiche: l’Italia come lente sul mondo, come caso di studio, come laboratorio di fenomeni che poi si riflettono in tutta Europa. È un approccio che interessa soprattutto UK, Francia e Germania.

Poi ci sono le storie culturali e di costume: moda, cibo, calcio, famiglia, relazioni, città. Funzionano bene se non diventano cartoline, ma se riescono a raccontare qualcosa di universale attraverso un punto di vista italiano.

Infine, i formati “explainer”: mini-serie che spiegano fenomeni complessi con chiarezza e ritmo. Sono strutture replicabili, adattabili, vendibili come format.

L’Europa è un continente di podcast molto più vario di quanto sembri. Ma dentro questa varietà ci sono pattern chiari: la forza della serialità, la centralità della voce, la ricerca di identità editoriali solide. Per un produttore italiano, la chiave non è imitare i modelli altrui, ma capire dove la propria sensibilità può incontrare i bisogni degli altri mercati.

E spesso, la risposta è semplice: portare storie italiane nel mondo, ma con un linguaggio europeo.

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Quindi non essere solo in balia di onde e contenuti altrui, la cassa di risonanza del web.

Proporre un contenuto esclusivo, interessante ed utile, originale.

La radio è leader nell’ecosistema di offerta musicale, il grande valore della scelta umana e non da algoritmo.

Scegliere di non scegliere (nell’oceano dell’offerta musicale), e affidarsi ad altri che scelgono per continuare a sorprenderci, meravgliarci.

🇬🇧 English version below

Radio Kappa ha organizzato presso il Polo universitario di Rovigo uno dei suoi workshop sulla Radio a cui ho partecipato come relatore insieme all’amico e collega Dario Spada, conduttore e producer di Radio 105 e a Tommaso Corso, Marketing e Social Manager.
Ecco di cosa ho parlato.

Intanto in questa prima parte (ne seguiranno altre) vorrei partire da un’idea semplice, quasi banale, ma che spesso dimentichiamo: la radio non è nata per rincorrere ciò che già esiste altrove.
La radio è nata per creare. Per proporre. magari anche per sorprendere, ma soprattutto per essere utile e interessante. E allora se la radio diventa solo la cassa di risonanza del web, o di altre fonti smette di essere radio.

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La Radio è la tecnologia più antica per il futuro, fortemente contemporanea.
Innanzitutto la Radio è libera, può permettersi di dire quello che vuole senza incorrere in ban.
La Radio ha un’importanza fondamentale in caso di emergenze, come già successo di recente in Spagna.
Inoltre la Radio è leggera, raggiunge posti impensabili e non impegna lo sguardo o le attività che si stanno svolgendo.
La Radio è vicina al territorio, perché parla, promuove e pubblicizza eventi e attività locali che non possono naturalmente trovare spazio in contesti nazionali.
E, non da ultimo, la radio è Gratis.

Tuttavia la Radio deve continuare a rinnovarsi, migliorare, evitare gli errori che la relegano ad essere eco di altri media, specie nella proposta dei contenuti.

Negli ultimi anni abbiamo assistito a un fenomeno curioso:

• Il web detta i trend.

• I social dettano i tempi.

• Le chat dettano i contenuti.

E molti programmi radiofonici, invece di guidare, si limitano a inseguire.
Si leggono messaggi WhatsApp come se fossero il contenuto. si commentano meme come se fossero notizie, si rincorrono e riportano argomenti già virali altrove.

Ma se il pubblico ha già visto, già letto, già ascoltato…
Perché dovrebbe venire da noi?

Il ruolo del conduttore oggi

Un conduttore non è un lettore di messaggi, non è un amplificatore di contenuti altrui, non è un algoritmo umano.

Un conduttore è, o dovrebbe essere, un autore, qualcuno che porta un punto di vista, un’esperienza, un’intuizione, qualcuno che crea valore, non che lo ricicla.

La radio ha bisogno di voci che sappiano dire:
“Questo non l’avete ancora sentito.”
“Questo non lo trovate su TikTok.”
“Questo è il mio contributo, il mio sguardo, la mia storia.”

In poche parole, la radio deve tornare a essere fonte, ad essere un punto di approdo e non solo essere in balia delle onde, di contenuti altrui, deve riappropriarsi della sua autorevolezza, che le e’ sempre appartenuta fin dalla sua nascita.
Ritornare ad essere la creatrice di contenuti, di tendenze.

Per essere rilevanti, la radio, tramite i suoi conduttori, deve tornare a essere origine, non eco.

1. Proporre contenuti esclusivi
   Un conduttore che racconta un aneddoto personale, un incontro, un dubbio, un pensiero, una storia vissutasta già facendo qualcosa che nessun social può replicare.

2. Costruire utilita’
   Il pubblico cerca intrattenimento autorevole, ma anche orientamento, contesto, strumenti.
   Un conduttore che spiega, approfondisce, collega i puntini anche con il mondo della musica diventa un punto di riferimento.

3. Coltivare la propria identita’
   La radio vive di personalità, di stile, di tono, di ritmo, di quella cosa invisibile che fa dire all’ascoltatore: “Lo riconoscerei anche al buio.”

Tutto cio’ e’ urgente, perché oggi il pubblico ha infinite alternative e sceglie ciò che è autentico, umano, irripetibile.
La radio ha un vantaggio enorme: la sua intimità, ma anche la sua immediatezza, la sua capacità di creare relazione. Ed e’ gratis!
Ma questa relazione esiste solo se chi parla ha davvero qualcosa da dire.

La Musica: il super potere della Radio

E poi entra in gioco un elemento che spesso diamo per scontato: la musica.

La radio è ancora oggi leader nell’ecosistema musicale, non perché abbia o debba avere più brani, non perché abbia più tecnologia. Ma perché ha più umanità.
Anche nei processi automatizzati, nelle scalette giustamente organizzate (il mito del ‘mi portavo i dischi da casa’ e ‘suono quello che mi va’ e’ controproducente. Persino dietro Jack FM ‘We play what we like’ c’e’ uno studio accurato e niente e’ lasciato al caso), c’e’ il calore umano che decide, imposta.

Gli algoritmi propongono.
La radio sceglie.
Gli algoritmi ottimizzano.
La radio emoziona.
Gli algoritmi ti danno ciò che già ti piace.
La radio ti fa scoprire ciò che non sapevi di amare.

In un oceano infinito di musica, dove tutto è disponibile sempre, la vera libertà non è scegliere.
La vera libertà è scegliere di non scegliere.
È affidarsi a qualcuno che seleziona per te, che ti guida, che ti accompagna.
È dire:“Fammi compagnia, fammi scoprire, fammi sorprendere.”
Questo è il valore editoriale della radio ed è ciò che nessuna piattaforma può replicare.
La Radio del futuro sarà quella che offre ciò che il web non può dare: una voce che pensa, una mente che seleziona, un cuore che suona.

Perché la radio, quando è fatta bene, non segue il mondo.
Lo anticipa.

Condividi Sound Matters - by Max Pandini

🇬🇧

Radio must put forward a unique and exclusive proposition.
It cannot simply drift in the currents of other people’s content, nor become the echo chamber of the web.

It must offer content that is exclusive, interesting, useful, and original.

Radio is still the leader in the music‑offering ecosystem, and its greatest strength lies in human choice, not algorithmic selection.

In an ocean of infinite musical options, choosing not to choose, and trusting someone else to choose for us, is what allows us to keep being surprised, moved, and amazed.

Radio Kappa organized one of its workshops on Radio at the University Hub of Rovigo, where I took part as a speaker together with my friend and colleague Dario Spada, host and producer at Radio 105, and Tommaso Corso, Marketing and Social Manager.

Here’s what I talked about.

I’d like to start from a simple idea, almost obvious, yet often forgotten: radio was not born to chase what already exists elsewhere.

Radio was born to create, to propose, sometimes to surprise, but above all, to be useful and interesting.

And so, if radio becomes nothing more than the loudspeaker of the web or of other sources, it stops being radio.

Radio is the oldest technology of the future, and profoundly contemporary.
First of all, radio is free: it can say what it wants without risking bans.
Radio plays a crucial role in emergencies, as we’ve recently seen in Spain.
It is also light: it reaches unexpected places and doesn’t demand your eyes or interrupt whatever you’re doing.
Radio stays close to the community, because it speaks about, promotes, and advertises local events and activities that naturally can’t find space in national contexts.
And, not least, radio is (costs) free.

However, radio must keep evolving, improving, and avoiding the mistakes that reduce it to merely echoing other media, especially when it comes to content.

In recent years, we’ve witnessed a curious phenomenon:

• The web dictates the trends.

• Social media dictates the timing.

• Chats dictate the content.

And many radio shows, instead of leading, simply follow.
They read WhatsApp messages as if that were the content.
They comment on memes as if they were news.
They chase and repeat topics that have already gone viral elsewhere.

But if the audience has already seen it, already read it, already heard it…
Why should they come to us?

The role of the presenter today

A presenter is not a message reader.
Not an amplifier of someone else’s content.
Not a human algorithm.

A presenter is — or should be — an author: someone who brings a point of view, an experience, an intuition. Someone who creates value, not someone who recycles it.

Radio needs voices capable of saying:
“This is something you haven’t heard yet.”
“You won’t find this on TikTok.”
“This is my contribution, my perspective, my story.”

In short, radio must return to being a source, a place to arrive, not something tossed around by the waves of other people’s content.
It must reclaim the authority that has belonged to it since the day it was born, it must return to being a creator of content and trends.

To remain relevant, radio — through its presenters — must return to being the origin, not the echo.

1. Proposing exclusive content

   A presenter who shares a personal anecdote, an encounter, a doubt, a thought, a lived story is already doing something no social platform can replicate.

2. Building usefulness

   The audience seeks authoritative entertainment, but also orientation, context, tools. A presenter who explains, deepens, connects the dots — even with the world of music becomes a point of reference.

3. Cultivating one’s identity

   Radio lives on personality, style, tone, rhythm —
   on that invisible quality that makes the listener say:
   “I would recognize them even in the dark.”

All this is urgent, because today the audience has infinite alternatives
and chooses what is authentic, human, unrepeatable.
Radio has a huge advantage: its intimacy, its immediacy, its ability to create a relationship.
And it’s free.

But this relationship exists only if the person speaking truly has something to say.

Music: Radio’s superpower

And then there’s an element we often take for granted: music.

Radio is still the leader in the music ecosystem not because it has (or needs) more tracks, not because it has more technology, but because it has more humanity.

Even in automated processes, in well‑structured playlists (the myth of “I brought my records from home” or “I play whatever I feel like” is counterproductive — even behind Jack FM’s “We play what we like” there is careful research and nothing is left to chance), there is human warmth deciding and shaping the flow.

Algorithms propose.
Radio chooses.
Algorithms analyze data.
Radio analyzes people.
Algorithms optimize.
Radio moves you.
Algorithms give you what you already like.
Radio helps you discover what you didn’t know you loved.

In an infinite ocean of music, where everything is always available, true freedom is not choosing.
True freedom is choosing not to choose.
It is trusting someone who selects for you, who guides you, who accompanies you.
It is saying: “Keep me company, let me discover, let me be surprised.”

This is radio’s editorial value and it is something no platform can replicate.
The radio of the future will be the one that offers what the web cannot: a voice that thinks, a mind that curates, a heart that plays.

Because radio, when done well, does not follow the world.
It anticipates it.

🇬🇧 English version below

Al World Radio Day di Milano, durante il workshop che ho curato dedicato all’imaging radiofonico (e non solo), abbiamo affrontato un tema che in Italia continua a essere sottovalutato.

Con me c’era anche Milan Sweeck di Dubb, che ha mostrato in modo magistrale come si costruiscono jingles e power intro con un approccio moderno, strutturato e profondamente legato al formato.

Ed è proprio da qui che siamo ripartiti: Trovarsi al World Radio Day di Milano per migliorarci, per aumentare il valore della radio.

E per farlo non basta la ricerca, non bastano i dati, non bastano le analisi. Serve osservare.

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Osservare in campo largo, come abbiamo sempre fatto quando ascoltavamo RMC, RTL Luxembourg, Z100.

Più gli orizzonti sono ampi, più opportunità ci sono.

Più guardiamo fuori, più capiamo cosa manca dentro, Perché serve guardare lontano; le radio che crescono sono quelle che osservano il mondo, che studiano i linguaggi globali.

Il problema nelle radio nel l’approccio alla produzione degli elementi sonori è spesso agire come se fossimo al “supermercato del suono”

• “Quanto vengono 3 jingles e 2 IDs?”

• “Quanta roba mi fai con 500 euro?”

• “Me ne fai un po’ di più allo stesso prezzo?”

È una mentalità che riduce l’imaging a una merce, a un prodotto a peso.

Ma l’imaging non è una commodity. È identità.

L’imaging è parte del prodotto, non un’aggiunta

L’imaging non è un abbellimento.

Non è un “extra”.

Non è un pacchetto di effetti sonori.

L’imaging è parte del prodotto radiofonico.

È ciò che si traduce in:

• regole

• clock

• impostazioni

• struttura

• ritmo

• percezione

È funzionale alla radio e al suo Formato.

È uno degli elementi che dà valore sia al brand che al prodotto, senza imaging, il formato resta teoria, con l’imaging, il formato diventa esperienza.

Così come il suono, anche gli elementi sonori sono parte dell’esperienza emozionale

L’imaging appartiene a quel mondo chiamato suono: tutto ciò che non è musica e non è parola, ma che costruisce l’atmosfera, il respiro, la personalità della stazione.

È parte dell’esperienza emozionale che la radio offre al suo pubblico.

È ciò che permette alla radio di mantenere la sua promessa universale:

• makes you feel better

• let you know better

L’imaging è il ponte tra emozione e funzione, tra identità e servizio, tra brand e ascoltatore. Un power intro, per esempio, è una geniale creazione artistica che personalizza le hit preferite dagli ascoltatori con elementi del brand della stazione, per far sì che ogni volta che l’ascoltatore ricorda e magari canta la propria canzone preferita, associ anche con il ricordo il nome della radio, o il suo logo sonoro inseriti ad arte sull’intro della song.

E allora vincono quelle radio che capiscono come l’Imaging non sia un “di più”, ma un codice narrativo, parte essenziale e vitale dell’offerta.

E questo è stato il cuore del workshop: non solo come si producono jingles, ma perché.

• Perché servono.

• Perché contano.

• Perché fanno la differenza.

Se vogliamo aumentare il valore della radio, dobbiamo iniziare anche da qui: dalla cura del suono che la rappresenta.

L’imaging non è un costo, ma è un investimento, è ciò che rende una radio riconoscibile, credibile, coerente, è ciò che trasforma un flusso in un’esperienza. Le radio di maggiore successo investono cifre considerevoli nella realizzazione della “confezione sonora” ogni anno.

Ed è ciò che, ancora una volta, abbiamo ribadito insieme a Milano: la radio del futuro non si costruisce “a peso”, ma con una visione.

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🇬🇧

Imaging isn’t an accessory — it’s the heart of the radio product, and for this reason it must be studied and designed by specialized audio designers.

At the World Radio Day in Milan, during the workshop I led on radio imaging (and beyond), we tackled a topic that in Italy is still widely underestimated.

Joining me was Milan Sweeck from Dubb, who brilliantly demonstrated how jingles and power intros are built with a modern, structured, format‑driven approach.

And that’s exactly where we started: meeting at World Radio Day in Milan to improve ourselves, to increase the value of radio.

And to do that, research isn’t enough. Data isn’t enough. Analysis isn’t enough.

We need to observe.

Observe with a wide lens, just like we used to do when we listened to RMC, RTL Luxembourg, Z100.

The broader the horizon, the greater the opportunities.

The more we look outward, the more we understand what’s missing inside. Because we need to look far; the stations that grow are those that observe the world and study global languages.

The problem in many radio stations is the approach to producing sonic elements — often acting as if we were at a “sound supermarket”:

• “How much for 3 jingles and 2 IDs?”

• “How much can you give me for 500 euros?”

• “Can you throw in a bit more for the same price?”

It’s a mindset that reduces imaging to a commodity, a product sold by weight.

But imaging is not a commodity. It’s identity.

Imaging is part of the product, not an add‑on.

Imaging is not decoration.

It’s not an “extra.”

It’s not a bundle of sound effects.

Imaging is part of the radio product.

It translates into:

• rules

• clocks

• settings

• structure

• rhythm

• perception

It serves the station and its format.

It’s one of the elements that gives value to both the brand and the product. Without imaging, a format remains theory; with imaging, the format becomes experience.

Just like sound, sonic elements are part of the emotional experience.

Imaging belongs to that world we call “sound”: everything that is not music and not speech, yet builds the atmosphere, the breath, the personality of the station.

It’s part of the emotional experience that radio offers its audience.

It’s what allows radio to keep its universal promise:

• makes you feel better

• lets you know better

Imaging is the bridge between emotion and function, between identity and service, between brand and listener. A power intro, for example, is a brilliant artistic creation that personalizes listeners’ favorite hits with the station’s brand elements, so that every time the listener remembers — or even sings — their favorite song, they also recall the station’s name or sonic logo, seamlessly woven into the intro.

And that’s why the stations that win are those that understand imaging is not a “nice‑to‑have,” but a narrative code — an essential, vital part of the offering.

This was the core of the workshop: not just how jingles are made, but why.

Why they’re needed.

Why they matter.

Why they make the difference.

If we want to increase the value of radio, we must start here as well: from the care of the sound that represents it.

Imaging is not a cost — it’s an investment. It’s what makes a station recognizable, credible, coherent. It’s what turns a flow into an experience. The most successful stations invest significant budgets every year in their “sonic packaging.”

And that’s what we reiterated once again in Milan: the radio of the future is not built “by weight,” but with vision.

👉 English version below

Secondo un articolo di Fortune scritto da Jake Angelo, una nuova ricerca di Anthropic mostra che

l’AI potrebbe sostituire molte più mansioni di quante oggi vengano effettivamente automatizzate.

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Il divario tra ciò che i modelli possono fare e ciò che realmente fanno è enorme e quando si colmerà, i lavoratori più a rischio saranno quelli altamente qualificati e ben pagati: avvocati, analisti finanziari, programmatori, ruoli amministrativi.

Secondo lo studio, l’AI è teoricamente in grado di svolgere fino al 90–94% dei compiti in settori come informatica, matematica e amministrazione, ma l’adozione reale è ancora molto bassa.

Le limitazioni tecniche, legali e la necessità di supervisione umana frenano l’automazione… per ora.

Il gruppo più esposto è sorprendentemente composto da lavoratori più anziani, con lauree avanzate e stipendi elevati.

Al contrario, circa il 30% delle professioni quelle manuali e fisiche — non è toccato dall’AI.

Gli autori parlano di un possibile “Great Recession for white-collar workers”: non si vedono ancora licenziamenti di massa, ma un rallentamento nelle assunzioni nei settori più esposti è già misurabile, soprattutto per i giovani.

E nel mondo della radio, stai già affrontando il mondo AI? Se vuoi raccontami come.

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🇬🇧

According to a Fortune article by Jake Angelo, new research from Anthropic shows that AI could replace far more tasks than are currently being automated.

The gap between what AI models can do and what they actually do today is enormous — and once that gap closes, the workers most at risk will be highly skilled and well‑paid professionals: lawyers, financial analysts, software developers, administrative roles.

According to the study, AI is theoretically capable of performing up to 90–94% of tasks in fields like computer science, mathematics, and administration, but real‑world adoption is still very low.

Technical and legal limitations — along with the need for human oversight — are slowing down automation… for now.

The most exposed group is, surprisingly, older workers with advanced degrees and high salaries.

By contrast, about 30% of professions — mainly manual and physical jobs — remain untouched by AI.

The authors describe a potential “Great Recession for white‑collar workers”: we’re not seeing mass layoffs yet, but hiring slowdowns in the most exposed sectors are already measurable, especially for younger workers.

And in the radio world — are you already dealing with the rise of AI? If you want, tell me how.

Articolo originale: https://fortune.com/2026/03/06/ai-job-losses-report-anthropic-research-great-recession-for-white-collar-workers/?utm_source=flipboard&utm_content=topic/technology

Il regolatore afferma: «Queste notizie locali devono consistere in, o includere, notizie raccolte localmente da giornalisti fisicamente presenti nelle aree rilevanti». La maggior parte delle stazioni avrà un anno di tempo per adeguarsi.

La maggior parte delle licenze radiofoniche locali in analogico nel Regno Unito oggi trasmette programmi nazionali (o “di nazione”), come quelli di Heart, Capital o Smooth di Global, Hits Radio o Greatest Hits Radio di Bauer, o Nation Radio di Nation Broadcasting. Queste stazioni trasmettono notizie, meteo e pubblicità locali. Tuttavia, questa nuova regola potrebbe risultare onerosa per i broadcaster: Ofcom stima un costo aggiuntivo per il settore di 340.000 sterline all’anno (457.000 dollari USA).

Per un’emittente che non voglia sobbarcarsi il costo di almeno due stipendi giornalistici per ogni licenza analogica, esiste un’altra opzione: restituire semplicemente la licenza. E non è così assurdo come potrebbe sembrare. In totale, solo il 25,4% dell’ascolto radiofonico nel Regno Unito avviene su AM/FM: il resto passa attraverso DAB o online; e sebbene alcune stazioni locali abbiano una quota di ascolto analogico più alta, quella percentuale è destinata a diminuire.

Nel Regno Unito, la presenza su un multiplex DAB locale (che rappresenta il 42% di tutto l’ascolto radiofonico) non è subordinata al possesso di una licenza analogica nell’area. Quindi si può restituire la licenza analogica senza reali penalizzazioni. Molti servizi AM lo hanno già fatto — e Ofcom non ha riassegnato alcuna licenza restituita. Lo scorso anno, ad esempio, Nation Radio ha risposto alla consultazione di Ofcom sulla fornitura di notizie locali rinunciando alla propria licenza di Ceredigion, in Galles.

A poche settimane dall’annuncio del governo britannico di una revisione sulla prosecuzione delle trasmissioni FM e AM nel Paese, sembra che una regolamentazione più stringente possa accelerare lo spegnimento dell’analogico nel Regno Unito.

La normalizzazione dell’archivio audio prima del processore.

È una prassi che vedo spesso in giro per il mondo: normalizzare l’archivio audio prima di fare l’ingest.

Attenzione: non il livello di picco, bensì di Loudness!

Eh già…

Le principali emittenti radio non normalizzano i files a livello di picco in dB o dBfs, ma il livello di Loudness, misurato in LUFS.

Fare riferimento alla normalizzazione del picco audio è ormai cosa obsoleta.

E il processore audio alla fine della catena lavora molto meglio.

Ma del resto le raccomandazioni EBU ITU parlano chiaro*

Vediamo bene perché normalizzare in LUFS (e non in dBFS) prima del processore audio è meglio, direi fondamentale!

Il problema è semplice: il picco non descrive l’energia percepita di un segnale quindi non basta.

Un file può avere:

• lo stesso picco

• ma una densità sonora completamente diversa

Un brano molto compresso e uno molto dinamico possono entrambi toccare \(-1\) dBFS, ma il primo “spingerà” un processore molto più del secondo.

In pratica, il picco non rappresenta la realtà sonora che il processore deve gestire.

La loudness in LUFS misura l’energia percepita nel tempo, non solo l’ampiezza istantanea. Questo significa che:

• due segnali normalizzati allo stesso LUFS arrivano al processore con la stessa “forza percepita”; ottimo soprattutto per i processori ‘Old school’ senza riparazioni dell’audio in input (undo, declipper… e così spieghiamo una volta per tutte anche perché ‘de-masterizzare’ o ‘de-comprimere’ prima di ‘ri-processare’ aiuta il processore a lavorare meglio a chi non l’avesse ancora capito o finga di non capirlo)

• la catena di processing lavora in modo coerente, ripetibile e controllabile

• la risposta dei plug‑in diventa prevedibile, indipendentemente dalla dinamica originale del materiale

È esattamente ciò che serve in broadcast, podcasting, radio imaging, mastering e in qualsiasi contesto dove la consistenza è un valore.

Normalizzare in LUFS non è una moda: è un modo per riportare la catena audio sotto controllo.

Vuol dire:

• coerenza

• prevedibilità

• qualità costante

• workflow più veloce

Esempio: poi puoi lasciare i cursori fissi perché tanto l’intensità sonora di brano in brano o brano e station imaging sarà la stessa.

E ora è più chiaro perché il mio amico Luca Viscardi quando era direttore a rtl cazziava I fonici perché un file era alto, uno basso, pur vedendo il picco di Master Control a -1dB!

Semplice… differenza di Master, differenza di LUFS 🙂

Normalizza allo standard ITU, e ti cambia la vita: provare per credere!

So che molti (soprattutto non italiani) diranno “eh hai scoperto l’acqua calda”, ma la percentuale di chi lo fa in Italia è ancora molto bassa.

PS.: volutamente raccontato terra-terra per evitare di annoiare con tecnicismi.

Per chi più avvezzo ad approfondire, ecco le raccomandazioni EBU/ITU:

*EBU R128 S3 https://tech.ebu.ch/publications/r128s3 per la catena di produzione raccomandata a -23 LUFS in radio

Mentre per lo streaming, che non è l’argomento del post, è la S2 https://tech.ebu.ch/publications/r128s2

per le serie tv e il cinema (S4) https://tech.ebu.ch/publications/r128s4

e S1 per gli spot https://tech.ebu.ch/publications/r128s1